Nuevo disco del compositor portugués Rodrigo Leão, A Montanha Mágica (2011), en el que traza un recorrido por los recuerdos de su infancia y adolescencia. Música poderosamente evocadora en el que predominan las composiciones instrumentales y minimalistas, y que, como siempre, desprende la magia y la sofisticación de su extraordinario talento.
Rodrigo Leão es uno de los más grandes compositores portugueses contemporáneos y provoca sorpresa, interés y admiración dentro y fuera de su país. Tras participar activamente en la creación de dos de los grupos portugueses más conocidos e influyentes de todos los tiempos, Madredeus y Sétima Legião, en 1993 emprende su carrera en solitario para explorar nuevos terrenos musicales con Vox Ensemble y el estupendo disco Ave Mundi Luminar.
A Montanha Mágica es su octavo disco en solitario. Si en discos anteriores, Leão estuvo acompañado por voces femeninas, en este, en el que predominan las composiciones instrumentales y minimalistas, cuenta con el apoyo del portugués Miguel Filipe, el brasileño Thiago Pethit y el australiano Scott Matthew. Además ha estado secundado por un trío de cuerdas y acordeón: Celina Da Piedade (acordeón y metalófono), Viviena Tupikova (violín y piano), Bruno Silva (viola), y Carlos Tony Gomes (violonchelo).
01. A Praia Do Norte 02. O Baloiço 03. Aviões de Papel 04. O Fio da Vida (con Thiago Petit) 05. Ventozela 06. A Montanha Mágica 07. Terrible Dawn (con Scott Matthew) 08. O Espanhol 09. Mar Estranho 10. O Navio Farol 11. A Revolta 12. O Hibernauta (con Miguel Filipe)
ACTUALIZADO!! Sao Paulo es la ciudad más grande de América del Sur, hogar de aproximadamente 19 millones de habitantes. En 1992, esta megalópolis se clasificó como la tercera ciudad más grande del mundo, por detrás estan Tokio y Ciudad de México. En los alrededores de São Paulo, al igual que en cualquier ciudad del siglo 21, hay una gran diversidad y disparidad, entre lo súper chic, lo moderno, y la indigencia mas profunda. En São Paulo Confessions, el pianista brasileño nacido en Yugoslavia, productor y programador Suba mezcla la modernidad de los ritmos tecno y los bucles muestreados con músicas tradicionales de Brasil. Suba, que anteriormente tocaba el piano con Hermeto Pascoal y Suzano Marcos, produjo discos para conocidos artistas brasileños como Marina Lima, Ambrosio Mestre, Edson Cordeiro y Arnaldo Artunes, ha colaborado en São Paulo Confessions con el percusionista João Paraíba y las vocalistas Cibelle y Taciana. Con percusión y voces en directo, además de una serie de melodías de guitarra acústica, añaden una profundidad enorme a las composiciones de Suba.
Todos los temas de "São Paulo Confessions" son brillantes, no hay ni uno sólo que debiera haberse quedado en el estudio, todas son piezas de impecable factura de parecen querer gritarle al mundo cuan talentoso era quién las creó. Claro que eso no es impedimento para que dos de los cortes del álbum destaquen, porque ya pueden considerarse dos cumbres de la electrónica, dos producciones inmortales que nunca se dejarán de escuchar (al menos no mientras algunos humanos sigan naciendo con sensibilidad musical). El primero es A felicidade (Happiness), una reinterpretación en clave electrónica del clásico de Vinicius de Moraes y Tom Jobim, aunque prácticamente puede hablarse de una nueva composición, porque el tratamiento de Suba es lo opuesto a un remix, no es producción adicional, sino una reconstrucción (o, más precisamente, deconstrucción), desde cero, obteniendo así un nuevo tema que conserva el espíritu y la emotividad del original, pero a través de recursos y sonoridades bien distintas. El segundo es Samba do gringo paulista (Paulista gringo’s samba), composición de Suba, probablemente el más atrevido tema de samba que ha dado la historia reciente. Un instrumental predominantemente percusivo perfecto para cualquier situación, desde la agitación de un masificado club de baile a la tranquilidad de una puesta de sol mediterránea, tinto de verano en mano. Suba creó en São Paulo Confessions la banda sonora perfecta para la imagen de São Paolo que vemos en la carátula y, extrapolando, para la São Paulo menos turística, la que no tiene cabida en las postales. Imprescindible.
Personal: Suba (piano, keyboards, programming); Cibelle, Katia B., Taciana, Joana Jones, Arnaldo Antunes (vocals); Andre Geraissati, Luis Do Monte (acoustic guitar): Kuaker, Edgard Scandurra (guitar); Mestre Ambrosio (bass, percussion, rabeca); Joao Parahyba (drums, percussion, samples).
Tantos Desejos (So Many Desires) Você Gosta (I Know What You Like) Na Neblina (In the Fog) Segredo (Secret) Antropófagos (Cannibals) Felicidade (Happiness) Um Dia Comum (Em SP) (A Normal Day (In São Paulo)) Sereia (Mermaid) Samba Do Gringo Paulista (Paulista Gringo's Samba) Abraço (Embrace) Pecados da Madrugada (Sins Before Dawn) A Noite Sem Fim (The Endless Night)
Detrás del famoso "Waka waka" de Shakira (canción oficial del Mundial de Futbol 2010) está Freshlyground, una de las bandas sudafricanas de afro-fusión con más proyección internacional, representativa de la Sudáfrica multicultural de hoy. Nomvula (2004) fue su segundo trabajo, su álbum más exitoso junto con Ma´cheri (2007).
Formada en Ciudad del Cabo en 2002, las y los miembros de Freshlyground son originarios de Sudáfrica, Mozambique y Zimbawe. Freshlyground incorpora elementos tradicionales de la música sudafricana (como el Kwela y el folk africano), del soul y del jazz, así como también indie rock. La cantante principal es Zolani Mahola, quien con su distintiva voz contribuye a la banda dando un sonido muy personal; Simon Attwell (flauta, mbira, armónica y saxo), Peter Cohen (batería), Kyla-Rose Smith (violín y coros), Seredeal Schepeers (teclados y percusión), Julio "Gugs" Sigauque (guitarras) y Josh Hawks (bajo y coros) contribuyen a esta propuesta transcultural que celebra la vida y el espíritu positivo de la humanidad, un pop universal de raíces africanas.
01. I Am The Man 02. Nomvula (After The Rain) 03. Manyana 04. Vanish 05. Zithande 06. I'd Like 07. Doo Be Doo 08. Things Have Changed 09. Buttercup 10. Human Angels 11. Father Please 12. Mowbray Kaap 13. Touch In The Night
El arpa que utiliza Patrick Ball está fabricada según la antiguas tradiciones irlandesas. Sus cuerdas metálicas se tocan con las técnicas que trasmitieron los trovadores a través de los siglos... Patrick Ball, inspirado en el arpista del siglo XVIII Turlough O´Carolan nos ofrece 17 piezas instrumentales, de los cuales todas menos dos fueron compuestas por Turlough O'Carolan ... La música de O'Carolan combina la riqueza de las influencias del barroco italiano con el encanto de la cadenciosa música de su Irlanda natal. http://www.patrickball.com/
1. Carolan's Quarrel With The Landlady 2:33 2. Maurice O'Connor 1:37 3. Blind Mary 3:38 4. Carolan's Receipt For Drinking 2:56 5. Carolan's Ramble To Cashel 2:47 6. Carolan's Welcome 3:23 7. Young William Plunkett 2:27 8. George Brabazon 1:42 9. Lady Athenry / Fanny Poer 4:40 10. Give Me Your Hand 2:31 11. Lady Maxwell 0:55 12. Dermott O'Dowd / The Queen's Dream (Traditional) 3:21 13. Mrs. Judge 2:05 14. Carolan's Farewell To Music 5:00 15. Sheebeg Sheemore 3:04
las islas Seychelles son conocidas como destino de vacaciones, pero casi nadie conoce su música eso cambiara cuando escuche esta compilación encantadora de un grupo cultural de las islas al noreste de Madagascar, Nouvelles Seychelles. Representa a los músicos más importantes de los 455 kilómetros cuadrados del extenso archipiélago en un total de diecisiete canciones una impresión de los ricos sonidos del paraíso turístico.
El pequeño estado, que consta de 115 islas, más de 75.000 habitantes. Los descendientes de colonos franceses, de los colonos Ingléses, de los esclavos africanos y los inmigrantes asiáticos han desarrollado durante la ocupación y después de la independencia en 1976, una forma independiente de la música, la facilidad del Caribe, el ritmo de Africa, la India y los sonidos de Europa siempre con nuevas combinaciones entre sí, junto a la cantante Jenny Letourdie acerca la tradición criolla con el sonido pop occidental contemporáneo, May-Cécile Lajoie demuestra una fuerte influencia de la chanson francesa, El bajista Golty Farabeau con el reggae y los sonidos de las islas Seychelles a la "Seggae", Y David André, con su música hip-hop tropical, le ponen inmediatamente con un buen estado de ánimo.
Al escuchar este disco, nos gustaría estar en las playas de arena, cocoteros y el atolón de coral más grande del mundo. Es decir, cuando el estado de ánimo pide verdadera fiesta. - Harald Kepler
01. Jean-Marc Volcy - Gou Kreol 02. Jenny Letourdie - Leokri 03. Patrick Victor - Alois 04. Patrick Victor - Sa Lepok 05. May-Cécile Lajoie - Lespwar Lanmour Enposib 06. Jean-Marc Volcy - Lou Lou Moulaka 07. Ralf - Dan Lafore 08. Golty Farabeau - Mantalite 09. Jenny Letourdie - Otto Ek Kamila 10. Ralf - Dimoun Pe Koze 11. John Vital - Ton Milo 12. David Andre - Ton Milo 13. Patrick Victor - Tyotyo 14. David Andre - Kotis an glisan 15. Latroup Folklorik - Men Gos Men Drwat 16. Joe Samy - La Sezon Kreol 17. Acoustic Café - Vinn Dans Avec Nou New Beats from Paradise
Hawaiian slack key guitarist Cyril Pahinui was born on April 21, 1950, and raised on the island of Oahu; his father, Pops Gabby Pahinui, was a famed slack key guitarist as well, with the family's home a frequent gathering place for local musicians. Influenced by his father as well as family friends like Atta Isaacs and Sonny Chillingworth, Pahinui took up the guitar at age seven, quickly gaining entry to the endless jam sessions going on in his home; he began playing professionally about five years later, and at age 15 he and his brother Bla started a rock band dubbed the Characters. In 1968 Pahinui joined the group Sunday Manoa; a two-year Army stint followed, and upon his return from duty, he joined his father on a series of classic LPs cut for the Panini label. During the mid-1970s he formed the Sandwich Isle Band, one of the first young groups to revive the traditional steel guitar and perform the jazz-inspired material of the pre-World War II era; in 1979, Pahuini also joined the Peter Moon Band. After a series of solo records as well as a collaboration with siblings Bla and Martin, he signed to the Dancing Cat label in 1994 to cut the acclaimed 6 & 12 String Slack Key, winner of the Na Hoku Hanohano Award for Instrumental Album of the Year; the follow-up, Po Mahina, appeared in 1997. Two years later Pahuini teamed with Bob Brozman to cut the duets collection Four Hands Sweet & Hot. http://www.allmusic.com/artist/cyril-pahinui-p111972/biography http://www.bobbrozman.com/fourhands.html
01. Hilo E/E Lili'u E (Instrumental) 02. Wai Ulu (Instrumental) 03. Lei 'Ohu (Instrumental) 04. Lihu'e (Instrumental) 05. E Mama Ea (Instrumental) 06. Hawaiian Cowboy (Instrumental) 07. Inikiniki Malie (Gentle Pinches Of The Wind) (Vocal) 08. Lei No Ka'iulani (Instrumental) 09. Lbc Slack Key (Instrumental) 10. Coquette (Instrumental) 11. E Nihi Ka Hele (Vocal) 12. Wai' Alae (Instrumental) 13. Kela Mea Whiffa /Hilo March (Instrumental) 14. Hula O Makee (Vocal) 15. Hilo Hanakahi (Instrumental) 16. Ku'u Lei (My Wreath Of Flowers) (Instrumental) Four Hands Sweet and Hot
Lasociedad, de mutua admiración,que esVolkerGoetzeyCissokoAblayese debe a unencuentrofortuitoque tuvo lugaren 2001 enlosensayos con la orquestade jazzafro-europea en Saint-Louis, Senegal, donde habíansidoinvitados a abrirpara laleyendasenegalesaYoussouN'Dour. A pesar de lasbarreras culturalesque los separaban, el trompetista nacido en Alemaniay el interpretede koray cantantesenegalésdescubrieron que teníanmucho en común,tanto musical comopersonalmente.Suspuntos en comúnse pueden escuchar enSira, que es un disco quereafirmala máxima de quela música es ellenguaje universal. Elálbum es lanzado en octubre de 2008enObliqSound.
"Él viene de la tradicióngriot. Misabueloseran líderes espirituales muy respetados", dice Goetze. "Quiero aprender de él y élaprende demí. Mucho de nuestra músicaes creada enel momento, peronos entendemosen unnivel mucho más profundo".
Fue voluntad de ambos absorberlas nuevas ideas queles atrajoel uno del otro. AunqueCissokoes muy versado enla música tradicional deÁfrica Occidental, que pasa degeneración en generación, siempre ha sido un buscador, manteniendo los oídos abiertosa nuevas experiencias.A pesar de suslazos conla música tradicional de África Occidental, Cissokotambién esun gran fandel jazzy trabajócon el pianista/compositorRandyWestony otros,antes delproyecto conGoetze. "Misprimeras influencias", dice, "vienen de Keith Jarrett,el saxofonista francésFrançoisJeanneau, música asiática senegalesay, por supuesto, la música mandinga, la música de mis antepasados”.
Su inmersiónen el jazz,y la fascinaciónde Goetzeconla música africana, los hizocandidatos naturalespara la mutua colaboración. "Tuve la suerte de haber experimentado con algunos de los más grandes innovadores del jazz en vivo en concierto", dice Goetze, "como Miles Davis, Ornette Coleman, Don Cherry, Wayne Shorter, la Gil Evans Big Band y Joe Henderson. Ellosme conmovieron. Esoes lo que estoybuscandoen la música, que es una de las razones por las que tenía que ira África.Yo también soyun gran fan deYoussou N'Dour".
Goetze, quien ha colaborado conalgunas de las figurasmás importantes de laescena de la músicacontemporánea, incluyendo aNaná Vasconcelos, Handy Craigy PickettLenny, ve similitudes entrela tradicióngriot de Cissokoyel jazz: "[la músicagriot] no está escrita, sino que cambia con la épocay la actuación, lo que es similar aljazz y a la improvisación".
"Son nuestras diferenciaslas que se convierten enuna verdadera fortaleza", añade Cissoko, que ha lanzado dosálbumes anteriores en solitario,Diamen 2000y Le RougeGriot en 2006, antes del álbum a dúodeSira."Meadapté al contexto. Tengoen mí mismoesta antigua tradiciónde la comunicación. Es como lasramas de un árbolboabab, que pueden tocarlas de otroárbol. Soy una de esas ramas. Volkery yo somos dosmúsicosde la misma generación, con sensibilidades diferentes,que se convierten enunaentidad indivisible, hablando con nuestros instrumentos".
Sira
GrabadoenSenegal, elálbum Siraes unviaje a un mundode lirismoíntimo yel resultadode la profunda relaciónmusical entreelcantante senegalés e interprete dekoraAblaye Cissokoy el trompetista alemánVolkerGoetze.
Sira–que se traduce como “sirena” yes el nombre dela hija más jovendeCissoko– es una demostración delpensamiento únicoentre losdos artistasy una declaración derespeto entre losmúsicos de clase mundial. Ablaye Cissoko, que viene de una líneasecular delos griots–onarradores de cuentos–, es un maestro de una obracomplicada, cuerda lírica yun vocalista, cuya profunda emotividadse transmite encada líneaque canta. VolkerGoetzees untrompetistaconsumado que hacolaborado conalgunas de las figurasmás importantes del jazzcontemporáneo.Ambos soncompositoresconun oídohacia el futuro, así como al pasado. Fuente
Después de lanzar su último disco Rise & Shine , era difícil imaginar que esta banda de los refugiados podría ser mejor. Bueno, imagino. Radio Salone , su tercer lanzamiento, es su mejor momento.
Formado en 1997 con un inventario de los escasos equipos donados musical en un campo de refugiados en Guinea, los refugiados de Sierra Leona All Stars han sido una historia conmovedora desde el principio. La banda comenzó como una forma de entregar una pequeña esperanza a los refugiados en África occidental, pero pronto encontró su camino a la fama, incluyendo la apertura de Aerosmith y la alabanza a ganar de algunos de los más grandes nombres de la música.
El título, "Salone", significa "Sierra Leona" en su lengua materna de los krio, uno de los cinco idiomas que cantan en el álbum. Profundizando muy ligeramente en el mundo del álbum conceptual, Radio Salone celebra todo lo que es maravilloso de la radio y se empapa en los sonidos de las ondas de Sierra Leona en la década de 1970.
Antes de la guerra, Sierra Leona, la radio sirve como medio de exposición musical para el mundo y sus diversos géneros como soul americano, congoleños soukous y el reggae. Durante el conflicto, que adquirió un nuevo propósito y significado - que ofrece un escape de los horrores de los campos de guerra y los refugiados. Radio Salone captura a la perfección ese ambiente.El viaje a través de pistas de una amplia gama de géneros como el reggae de la vieja escuela, clásicos soukous y un toque de gospel cada uno con la firma SLRAS alegre disposición.
Mediados de los 70 micrófonos, cintas de la era de 16 pistas y toma limitada ayudó a crear el sonido retro. El álbum se basa más en los matices casuales y del estado de ánimo que la perfección del sonido, que es lo que hace este álbum una cosa de belleza.
A diferencia de su último álbum, el cual fue grabado en Nueva Orleans, Radio Salone fue grabado en Nueva York y producido por Victor Axelrod alias Ticklah (conocido por su trabajo con Amy Winehouse y Easy Star All Stars, entre otros). De ello se desprende que no es de extrañar entonces que este es su sonido más maduro y refinado, a pesar del carácter saque de banda posterior.
El álbum abre con 'Chant It Out' el grito de batalla corta, llena de reverberación sutil y distorsión. A partir de ahí, SLRAS llevar al oyente a través de una vertiginosa variedad de sonidos y ritmos experta atadas con varios 'Interludios de Goombay. Goombay se refiere a una forma de música de las Bahamas que gira en torno a la utilización de, lo has adivinado, un tambor goombay. Estos interludios, lo mejor de lo que es "Interlude - Rain Goombay Ven Sun Come ', ofrecen un toque de bienvenida de la continuidad que se une al resto de los temas juntos en un álbum completo.
Esparcidos entre los interludios es puro reggae ("Reggae Sounds el mensaje" y "El trabajo más brillante '), afrobeat (" El hombre Muyu ") y casi todo en el medio. La pista de 'suegra cuernos características asesinas y órganos que lo convierte en un competidor para el mejor tema del álbum. Tengo que reservar ese honor, sin embargo, para 'Big Fat Dog' - que tiene la ranura y un gancho irresistible. Yo desafío a cualquiera a escucharlo sin meneo de su cabeza al ritmo y la firma a lo largo de la final.
Radio Salone es sin duda tan bueno como se pone, pero quién sabe, tal vez van a demostrar que nos equivocamos de nuevo con un álbum aún mejor por venir.
1. Chant It Down2. Gbara Case3. Mother In Law4. Goombay Interlude – Rain Come Sun Come5. Reggae Sounds The Message6. Mampama7. Kali8. Goombay Interlude – Papa Franco9. Man Muyu10. Toman Teti M’Ba Akala – (How Would They Know That You Have Money?)11. Big Fat Dog12. Goombay Interlude – Shake Your Body13. Yesu Gorbu (At Jesus’ Feet)14. Work It Brighter15. Remake The World Again16. Goombay Interlude – A’Salamaleichem 320 + Covers Radio SaloneRadio Salone New Link
Para Juan de Marcos González, la verdadera fuerza motriz detrás de la "Buena Vista Social Club" fenómeno y ahora "Afro Cuban All Stars", una enorme deuda que se debe por todos los que aprecian la música verdaderamente grande. Él es un héroe musical moderno.
Este hombre, con una energía inagotable, la pasión profunda y una sonrisa encantadora, probablemente ha hecho más en los últimos años para promover tanto la música cubana tradicional y lo moderno más allá de las fronteras de Cuba que cualquier otro ser humano vivo. No puedo expresar la profundidad de mi gratitud a este hombre brillante y emprendedor.Sin él, ¿quién de nosotros hubiera tenido la suerte de disfrutar de la voz mágica de Ibrahim Ferrer?
Mucho antes de que descubrí la música cubana (a través de BVSC), yo estaba profundamente enamorado de la música mexicana de todos los géneros, modernas y tradicionales.
Pero la música cubana tiene un lugar propio en el mundo de la música. Porque, al igual que nuestra propia música en los Estados Unidos, la música cubana es una fusión de la música europea, con una influencia africana de gran variedad y, presumiblemente, la de las poblaciones indígenas. He leído que los esclavos africanos, una vez representaron el 40% de la población de la isla, lo que representa más de 100 grupos tribales del continente africano. Debido a influencias culturales europeas en Cuba difieren de las de los Estados Unidos, la música resultante no es la misma. Tenemos nuestros blues y el jazz, Cuba tiene su son montuno, la guajira, la guaracha, la rumba, el danzón, el bolero y el chachachá, por nombrar sólo algunos. Un cofre del tesoro musical!
Es precisamente la riqueza de este patrimonio musical cubano Juan de Marcos que entiende, valora y celebra como nadie! Y nadie ha sido tan generosa en compartir este precioso regalo con el resto del mundo.
Gracias desde el fondo de mi corazón, Juan de Marcos González!
01. Distinto, diferente 02. Tumba palo cocuyé 03. Tributo al Niño Rivera 04. Reconciliación 05. Variaciones sobre un tema desconocido 06. Al vaivén de mi carreta 07. Gandinga, Mondongo y Sandunga 08. Huellas del pasado 09. Warariansa 10. Homanaje a Martha Valdés
Los Madredeus de Pedro Ayres Magalhães están de regreso con una nueva formación que pretende revisitar su legado original. Este retorno acontece en el año en que conmemoran 25 años de una brillante carrera.
Juntamente con los teclados de un miembro de larga data, Carlos Maria Trindade, y con las cuerdas de Jorge Varrecoso, António Figueiredo y Luís Clode (dos violines y un violoncelo, respectivamente), Pedro Ayres Magalhães reactiva el proyecto Madredeus con el descubrimiento de una voz impresionante: la de Beatriz Nunes. Tanto las cuerdas como la voz vienen del área clásica. Los músicos forman parte del bien reputado Lusitânia Ensemble y están, por eso, habituados a mezclar los ambientes clásicos y pop, estando así a la altura de corresponder a los altos estándares de Pedro Ayres Magalhães y Carlos Maria Trindade. La joven Beatriz Nunes contribuye con un talento único para este proyecto. Estudió música clásica y jazz encuadra a la perfección con los parámetros de exigencia de este histórico grupo.
Pedro Ayres revela los planes para esta nueva formación de los Madredeus "pretendemos presentar un espectáculo que viaja por todo el reportorio del proyecto”. El músico que lidera a los Madredeus desde su inicio dice tener más de 30 canciones, que revisitan todas las fases de la banda, listas a ponerse en el escenario. Fuente
Tang Jun Qiao - Magical Flute Of China Portrait of Dizi Master El dizi (flauta de bambú china) es uno de los instrumentos más populares en toda Asia, apreciada por la belleza de su sonido, su accesibilidad para los musicos aficionados, su peso ligero y bajo costo. Tang Jun Qiao es la nueva maestra de la flauta tradicional china, que ahora enseña en el Conservatorio de Música de Shanghai. En esta grabación esta acompañada al Yang Qin por Ying Hao Tong.
Tang Jun Qiao, dizi Ying Hao Tong, yang qin
1 Morning, for dizi & yang qin 2 Paean of Yi River, for dizi & yang qin 3 Little Buffalo Cowboy, for dizi & yang qin 4 Jolly Meeting, for dizi & yang qin 5 Impression of Mt. Qianshan, for dizi & yang qin 6 Mysterious Tune from Lang Ya, for dizi 7 Spring Visiting Xiang Jiang River, for dizi & yang qin 8 Solitary Orchid Greeting the Spring, for dizi & yang qin 9 Vegetable Vendor (Shanxi folk tune), for dizi & yang qin 10 Blue Canopy, for dizi & piano
Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasilero. Interpretó muchos estilos de música brasilera tales como Bossa nova, Samba, Jazz brasilero, Pop brasilero, Jazz latino y Música Popular Brasileña (MPB).
Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino.
Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-e-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dio ese nombre por ser admirador del creador del escultismo, Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia. Pronto comenzó con lecciones de guitarra Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas en diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera.
En 1955, Powell ejecutaba en la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, antes de convertirse en el guitarrista del grupo Hotel Plaza Trío. Powell recomendó a Luiz Marinho para tocar el bajo, así como al "cuarto miembro" del "trío": Claudette Soares en la voz. Powell, Lincoln y sus jóvenes amigos músicos realizaban después de las horas de trabajo jam sessions (improvisaciones), ganando creciente popularidad en la escena del jazz brasilero.1
Powell logró amplia fama en 1959 al convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para poner letra a una de las composiciones de Powell. El resultado se llamó "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito. Esta ha tenido gran cantidad de versiones realizadas por numerosos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd.
En 1962, Powell se unió con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes y comenzó una colaboración que tuvo verdaderos clásicos de la música brasilera de los '60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces con sonidos sincronizados de formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con las formas de samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP en 1966 bajo el nombre de "Os Afro-sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el sello alemán MPS/Saba (en particular Tristeza en Guitarra (1966), considerado por muchos ser un punto alto en su carrera). Además, era el guitarrista de casa Elenco y el show de Elis Regina en TV "O Fino da Bossa".
En 1968, se unió al poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie musical de inspiración Afro-brasilero lanzada en 1970 como "Os Cantores da Lapinha".
Visitó y recorrió Europa con frecuencia en la década del '60, radicándose en Francia en 1968. En la década del '70, lanzó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su fama fue atenuando en cierta medida debido a problemas de salud y las evolución de los gustos musicales. Pasó la década de 1980 en semi-retiro en Francia y Alemania. Por último, en la década del '90 él y su familia regresaron a Brasil, donde continuó creando y grabando. El reconocimiento público de su trabajo llegó en torno de ese momento en el Brasil. A fines de la década del '90 se convirtió a la fe evangélica. También superó su larga adicción al alcohol y el tabaco. Sin embargo, su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, cayendo enfermo en el 2000.
Baden Powell murió de neumonía, provocada por la diabetes, el 26 de septiembre de 2000, en Río de Janeiro. Fuente
Pistas:
01 - Tempo feliz 02 -Apelo 03 - Feitinha pro poeta 04 - Abismo de rosas 05 - Ingênuo 06 - Jongo 07 - Queixa 08 - Cai dentro 09 - Petit valse 10 - Além do amor -Deixa 11 - Samba novo 12 - Mesa redonda 13 - Tributo a Juazeiro 14 - Valsa número um 15 - Até eu 16 - Canção das flores
LABUGA (la boca) es una celebración de la cultura garífuna consistente en un montaje de obras musicales anónimas tradicionales con composiciones de David de Gandarias, realizadas a partir de la música tradicional. El compacto LABUGA es el audio de un montaje multimedia que comprende orgánico en vivo, tratamiento electrónico, música computarizada, video digital, danza, teatro y luces. En el montaje LABUGA trabajó durante, aproximadamente, dos años un grupo de artistas e intelectuales garífunas de Livingston, Izabal, Guatemala, junto a un equipo de investigadores y artistas mestizos de la ciudad de Guatemala. LABUGA es el lugar donde se funde, sin jerarquías, el acerbo estético de los garífuna rural y tradicional con principios propios de lo mestizo, urbano y actual.
LABUGA nace de la idea de confrontar el racismo a través del establecimiento de reales nexos interculturales y la expectativa de adentrarse en nuevos derroteros estéticos y sonoros por medio de la experimentación.
El compacto LABUGA está dividido en cuatro secciones que corresponden a diversos géneros de música garífuna tradicional. Cada una de estas partes está constituida por una composición electrónica basada en ciertos rasgos instrumentales o vocales que caracterizan dichos estilos, unida a la interpretación del grupo instrumental en vivo a manera electroacústica. El orgánico interpreta –generalmente, al final de cada sección– composiciones tradicionales de cada uno de estos géneros.
En LABUGA el recurso digital corresponde, tanto a una necesidad expresiva, como a una toma de conciencia de la contemporaneidad. Se ha utilizado la parafernalia electrónica para extender y magnificar el gesto instrumental y vocal. La participación viva del grupo tradicional garífuna en interacción directa con la elaboración sonora computarizada concreta ese proceso de intercambios entre universos complementarios que es el motor de este montaje musical.
Ibímeni es el grupo musical tradicional más importante de la comunidad garífuna de Livingston. Para el específico montaje de LABUGA el grupo ha sido dirigido por David de Gandarias (Notas del folleto)
Músicos:
Ibímeni:
Voces:
Elvira Álvarez
Berta Sandoval
Cosme Baltazar
Xiomara Norales
Percusiones:
Sergio Núñez: garaon primera (tambor garífuna)
Higinio Flores: garaon segunda
Máximo Ramírez: sísiras (maracas garífunas)
Edwin Álvarez: sísiras
Isidro Bonilla: sísiras
Tulio Baltazar: garaon primera
Gregorio Lucas: coordinador
David de Gandarias: composición electrónica, montaje, dirección y producción
Joaquín Orellana Mejía (Guatemala, 1937) es un compositor y músico guatemalteco. En 1949 inició su educación musical en el Conservatorio Nacional de Música, situado en la capital guatemalteca.
En 1967 obtuvo una beca en el Instituto de Altos Estudios Musicales Torcuato di Tella de Buenos Aires (Argentina), donde se familiarizó con la música contemporánea de vanguardia y aprendió diversas técnicas de música electroacústica (composición y montaje). Recibió cursos de lingüística estructural, análisis poético, técnicas audiovisuales y filosofía del arte. Algunos de sus profesores eran notables maestros, como Alberto Ginastera, Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl.
Durante el período 1956-1974 desempeñó el cargo de violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al tiempo que dirigió el Grupo de Experimentación Musical, que él mismo había fundado. En 1969 obtuvo el primer premio en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre, por su obra Multífona. Trabajó en la Dirección General de Bellas Artes de Guatemala y como maestro en el Conservatorio Nacional.
Desde 1977 hasta 1982 integró un equipo de trabajo con los hermanos David e Igor de Gandarias, impartiendo talleres de sensibilización al fenómeno acústico y cursillos de introducción a la música contemporánea, en diversas entidades de la capital. También ejerció la docencia en el Octavo Curso Latinoamericano de Música Contemporánea, realizado en São João del Rei, estado de Minas Gerais (Brasil).
En 1982 su obra Poema Coral Declamatorio fue seleccionada para formar parte del archivo venezolano en homenaje a Simón Bolívar. Entre los años 1981 y 1984 dirigió el cuarteto Remembranza fundado por él; y en 1985 fundó y dirigió el Quinteto Municipal de Arcos.
Sus obras musicales ocupan un lugar relevante en la historia de la música contemporánea latinoamericana. Algunas de ellas son Cantata dialéctica (1974); Rupestre en el futuro (1979); Imposible a la X (Imágenes de una Historia en Redondo), compuesta en 1980 y premiada en Bourges, Francia; Piezas características para Cuarteto de Cuerdas (1983) y El violín valsante de Huisderio Armadel, ciclo para violín y orquesta compuesto entre 1986 y 1990.
Pistas: 1. Cajita de alegres penas 2. Balada de junio (atmósfera de un enigma) 3. Romance de papel (dialo – guiños) 4. La vanidosa 5. Violín sideral (dos poemas)
José Santos Paniagua: violín (1, 2, 5) Néstor Arévalo Almorza: violín (3, 4) Alma Rosa Gaitán: piano
