Flook - Haven [Uk-Irlanda]

 

The band was formed in 1995, originally by Becky Morris, with three flute-playing friends Sarah Allen, Brian Finnegan and Michael McGoldrick, (who left in 1997 to join Capercaillie). The band was briefly known as Three Nations Flutes.

Flook's 10th anniversary tour for Folkworks, included a concert at the Purcell Room (on 7 November 2005) as part of a week of "Folk in the Fall" on London's South Bank and another at the extraordinary new Sage Gateshead concert hall on the south bank of the River Tyne on 10 November 2005. Their third studio album, Haven, was released in October 2005.
At the BBC Radio 2 Folk Awards in 2006, Flook were awarded the award for Best Group. They also gave a short performance during the ceremony.

In December 2008 the band sent a Christmas message saying they were disbanding. "We wanted to wish you a very Happy Christmas and also to share some news with you," said a band press release. "After 13-plus years, hundreds of gigs, millions of miles traveled together and countless brilliant times, we've decided to call it a day. It might be forever or a prolonged pause, who knows, but we're all still great friends and will always remain so. This might sound like a cliché but it is deeply truthful."
http://en.wikipedia.org/wiki/Flook_%28band%29



01. The Tortoise and The Hare 5:32
02. Gone Fishing 4:03
03. Mouse Jigs 4:23
04. Souter Creek 5:10
05. Asturian Way 4:15
06. Wrong Foot Forward 5:44
07. Padraig's 4:34
08. Road to Errogie 4:51
09. On One Beautiful Day 3:31

 HAVEN

Teofilovići & Miroslav Tadić - Vidarica

There are types of music that grow on you with every new Listen, and then there are types of music that fade away when played too often. Vidarica—the collaboration between guitarist Miroslav Tadić and vocal duo the Teofilovic brothers— definitely is one of those rarely crafted albums that grows with each new listen. In a way, this is a dream pairing and reveals them to be a perfect match for each other. It has been a very long time coming, but it has been well worth the wait.
For someone of his stature and background Tadić has followed quietly his muse down into the corridors of musical and cultural history. Few musicians have as diverse a musical background as he does. He is a professor of guitar at the prestigious CalArts University in California, and has forged an intriguing, eclectic and diverse guitar voice and body of work. As a tireless explorer of different musics, he has traversed and immersed his heart in various geographical and musical contexts, be it classical, North Indian, jazz, flamenco, bossa nova, rock, avant-garde, and above all, Balkan music.
Both parties met through Macedonian guitarist Vlatko Stefanovski when he and Tadic played their first concert as a duo in Belgrade in 1999, promoting the watershed record Krushevo (MA Recordings, 1998). The duet with Stefanovski opened the doors to Balkan frontiers for Tadić and somehow it was natural for him to work with the Teofilović twins—unique singers and treasure hunters of forgotten, rarely performed and not overused folk songs, mainly from their native Serbia. With a vocal pairing that resembles Simon and Garfunkle, the brothers are known to have infused a new life into these songs in a completely authentic and yet original approach.
In Serbian, "Vidarica" means either a woman that heals with herbs or a spring with healing powers. Health is a matter of balance between the body and the spirit, the being and the world, and when that balance is disrupted a sickness sets in. The legend says one has to find vidarica, the holy spring, and to wash before sunrise. There are no clear directions where one can find those springs but the musicians suggest that maybe it can be found in the balance between the voices and the instrument. Music touches our hearts and resonates deep within us, and the right music can truly heal and renew.

Vidarica features colorful and lyrical music that takes different traditions into the 21st century with style, originality and sense of devotion. The choice of songs is even more interesting geographically as, besides Serbia, they encompass songs from Bosnia, Macedonia and Dalmatia (Croatia). It is pure joy to hear these songs done with such care and love. A folk song is, in its essence, an expression of the emotions wailing up from those depths. There is hardly an event or occasion in the countryside which does not find resonance in the soul of the people. Laughter, happiness, pain, sorrow, all form ingredients of these songs. They are simple, charming and full of the sincerity of emotion and the purity of feeling. Entire cultures, so to speak, are reflected in them.
The arrangements are delightful, highlighting Tadić's elegant guitar style and fine ear for detail and harmonic sophistication, as well as the gentle and delicate vocal harmonies. He squeezes every ounce of melody from a song's essence, that results in a delightful and authentic showcase that, while impressive, is never overdone. He provides the perfect backdrop for the Teofilović brothers to shine even brighter.
The group breathes new life into these songs by stripping them down to their bare bones, and then slowly and carefully rebuilding them up just as much as needed and not a layer more. "A što ti je mila kćeri" is a beautiful elegiac song with lyrics possessing a slight erotic overtone, with the brothers' so gentle and almost fragile vocal delivery. Their imaginative takes on "Rosna livada" "Gusta mi magla padnala" or "Kraj potoka, bistre vode" are beautiful in their apparent simplicity. But the bulk of the songs come from Macedonia, and credit must be given to the artists for not taking on the well known and overused popular Mac folk songs. "Navali se Šar Planina" is a shepherd's song remarkable in its musical and emotional intricacy and impact. "Oj ovčarče"is an old rural song that tells a story of shephard to whom a son was born. The shepherd is asked why he is so happy. He answers: "How could I be unhappy? My sheep lambed and many of them had twins, and my wife just gave a birth to my son."
Tadić already covered this song on Krushevo, with Vlatko Stefanovski playing a beautiful slide to cover the vocal parts. The results are warmly intimate with undeniably appealing colors. "Sedna baba da večera" is a humorous upbeat song immortalized by legendary folk singer Alexandar Sarieski, and tells a tale of a grandmother who could not satisfy her hunger nor quench her thirst, despite eating copious amounts of food, but getting drunk in the end.
Vidarica is one of those albums where nearly every small part could be singled out as contributing to the greatness of the whole. It is a musical excursion that seamlessly flows through the styles and musics of these seemingly different lands. It finds artists that have profoundly personal approaches but who share a certain deep admiration for the songs they perform, and Vidarica is a joy to behold.
http://vidaricamusic.com/

Adapted By [Lyrics Translation] – Svetozar Koljević
Adapted By [Lyrics] – Nenad Teofilović
Arranged By – Teofilovići
Design – Carlos Mascherin
Guitar, Mixed By, Recorded By – Miroslav Tadić
Lyrics By – Traditional
Mastered By, Recorded By – Scott Fraser
Photography By – Saša Kralj
Vocals – Radiša Teofilović, Ratko Teofilović



1 A Što Ti Je Mila Kćeri 4:05
2 Rosna Livada 3:52
3 Gusta Mi Magla Padnala 3:52
4 Oj, Ovčarče 3:52
5 Gugutka 1:50
6 Kraj Potoka, Bistre Vode 5:24
7 Zaspalo Je Siroče 3:31
8 Majko Igla I Bićvica 4:28
9 Navali Se Šar Planina 3:45
10 Sagradiću Šajku 3:33
11 Snošti Go Vidov 2:30
12 Mome Stoje 3:00
13 Sela Baba Da Večera 3:13
14 Stojane, Sine Stojane 5:32


| MC | | EmU |

Ana Alcaide - La Cántiga Del Fuego (2012)[España]

Una creación nueva inspirada en la antigua tradición sefardí que habla de amores imposibles entre judíos y cristianos, de antiguas leyendas toledanas y del viaje de destierro de los sefardíes.
La historia de los judeo-españoles y su huella en la ciudad de Toledo impulsan a Ana para producir este disco de autor, con canciones nuevas marcadas por un estilo muy personal que ya definió en su trabajo anterior y que ahora amplia con mas sonidos y colaboraciones, ofreciendo una síntesis de estilos que busca los nexos comunes entre diversas culturas musicales.






1. El pozo amargo
2. Baila donde el mar
3. La cantiga del fuego-el viaje
4. Luna sefardita
5. Khun Caravan
6. La reina Ester
7. En el jardín de la reina
8. El agua del río
9. La cantiga del fuego- la canción
10. Ay que casas!
11. Mikdash intro
12. Mikdash
320 kbps+covers

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Antonio Zambujo - Quinto (2012) [Portugal]

Para el título de su nuevo disco el portugués António Zambujo (Beja, 1975) ha buscado un título sencillo con el que indica el número ordinal que hace en su discografía, iniciada hace una década con “O mesmo Fado” (2002). Pero no sólo lo hace en su lengua, lo estampa en la carpeta del disco en más de una decena de formas, indicativo de los viajes que ha realizado por todo el mundo en su carrera artística y las influencias que ha recibido su forma de concebir su arte.
Su voz dulce, cadenciosa y aterciopelada sigue oscilando entre el registro del fado tradicional y otras músicas atlánticas impregnadas de melancolía, de uno y otro lado del océano, de un registro vocal que sólo puede crear sosiego en la escucha de tanta sensualidad y belleza. 
Con la producción de Ricardo Cruz, que también le acompaña al contrabajo, ha grabado quince nuevos temas que lo confirman como una de las voces portuguesas de personalidad propia, su elegancia en la interpretación alcanza otros matices sonoros y colores musicales que hacen cada una sus canciones piezas únicas.



1 Fado desconcertado
2 A casa fechada
3 Algo estranho acontece
4 Rua dos meus ciúmes
5 Flagrante
6 Não vale mais um dia
7 Lambreta
8 Madrugada
9 Milagrário pessoal
10 Sópode ser amor
11 Noite estrelada
12 Queria conhecer-te um dia
13 Fortuna
14 Maré


https://mega.co.nz/#!YNRlAB6Q!N7l68lcBR9llRzcugahyOiFBpCI0kavfW4JznNp5RX4

Holy Moly & The Crackers - First Avenue

Back in the days when it actually mattered if you could play an instrument, Robert Johnson was alleged to have gone down to the crossroads and sold his soul to the Devil in exchange for great musical ability. When Bob Dylan disappeared from the New York coffee house scene for two months in 1962, and returned a fully fledged musician and songwriter, people speculated that he had been through a similar experience. As far as I am aware no-one from Holy Moly and the Crackers has sold their sold for musical ability (while the drummer may well have sold his for narcotics...). Holy Moly and the Crackers formed in the Autumn of 2011, about an hour before their first performance. Not much has changed. They have only very recently cottoned on to the fact that most bands actually rehearse. Being pretentious folk musicians, Holy Moly know that the quality of the music is not always as important as the feeling it provokes. To this end they are trying very hard not to feel like pretentious folk musicians. Having spent the last several months in a dingy student let Holy Moly are looking to go up in the world. If anyone has a house in Newcastle, Holy Moly are tired of being cold and hungry. Holy Moly came together with an eclectic musical background at the forefront of their ideals. Ideally, the eclectic musical background of Bob Dylan. Accustomed to being in the company of socio-paths and madmen, Holy Moly like you already. It just goes to show what you can achieve if you try... Holy Moly are dead against the prostitution of popular music. Please help this cause by supporting the music of popular prostitutes

01. Bluebell Wood 03:43
02. Shepherd Song 03:52
03. Highway Shoes 03:57
04. Comfort In Lies 04:24
05. Blind Man Jack 04:27
06. River Neva 02:39
07. To The Lighthouse 03:58
08. Willy Had A Fiddle 03:12
09. Devil And The Danube 04:28
10. Down On Time 03:06
11. New Orleans Waltz 03:51


| MC |

Michael Spiro & Michael Williams - Bata Mbira [Usa]

Este CD fusiona la música tradicional de Cuba y Zimbabwe, creando un sonido atractivo y contemporáneo que se dibuja en un mundo mágico. Los tambores batá, interpretados por Michael Spiro, son una familia de 3 de doble cabeza con forma de reloj de arena tambores traídos a Cuba por el pueblo yoruba de Nigeria en el siglo 19 y se utilizan para acompañar ceremonias sagradas de los dioses. El mbira (piano de pulgar africano), interpretado por Michael Williams, es un instrumento del pueblo shona de Zimbabwe. Tiene 22-28 llaves de metal fijados a una caja de resonancia de madera y se utiliza como un medio sagrado para la comunicación con los espíritus ancestrales. Con voz de percusión, flauta y otros, estas canciones son fusiones originales de canciones tradicionales a los espíritus que guían al pueblo de Zimbabwe y Cuba.
http://www.bmichaelwilliams.com/projects.php



Michael Spiro (vocals, marimba, percussion, background vocals)
Michael Spiro (bass marimba)
Sonyalsis Feldman (vocals)
Munose (flute)
Michael Williams (mbira, background vocals)
Kristina Clark, Sandy Cressman, Carol Steele (background vocals)
Jesús Diaz (vocals, timbales, background vocals)
 Sylvain Leroux (flute)



1. Butsu Mutandari / Iyesa
2. Nhemamusasa / Afrekete
3. Baya Wabaya
4. Nyamaropa / Mase
5. Shumba / Oya
6. Kariga Mombe / Obakoso
7. Hangaiwa
8. Nyamamusango / Chango

Bata Mbira

Anúna - Invocation [Irlanda]

En 1987 el compositor Michael McGlynn de Dublín fundó Anúna. El nombre deriva del término colectivo para los tres tipos antiguos de la música celta, Suantraí (canción de cuna), Geantraí (canción alegre) y Goltraí (lamento). Uno de los objetivos declarados del coro es el de explorar y redefinir la música. Anúna con sede en Dublín, es un coro a capella que llevan a cabo entre once y catorce cantantes. El grupo está dirigido por Michael McGlynn y su hermano gemelo John.

Invocación un título apropiado, como la palabra invocación significa "el acto de...un llamamiento a un espíritu...en busca de inspiración". Este álbum, al igual que todos los demás de Anuna, invocan al espíritu de Irlanda, que llega a través de los siglos, la combinación de fragmentos de textos celtas medievales y modernos con la armonización coral y los arreglos vocales, hábilmente diseñados y ejecutados por el compositor de Anuna el director Michael McGlynn. Con todo el respeto, de acuerdo con las críticas que categorizan a Anuna como "Celtic-New Age". Esta música no se parece a nada de lo que se ofrece en la música coral contemporánea en todo el mundo, y, al ser tan innovador, que desafía la categorización si pudiera ponerlo en una categoría, sería "una moderna Capilla de Música Coral con un toque irlandés antiguo". Esté preparado para una experiencia auditiva que inspirará su imaginación, el desafío que musicalmente, llegara a tu corazón.



 "Invocación" ofrece un respiro Independientemente de la espiritualidad personal o sistema de creencias, música coral etérea, llena de tradiciones medievales y cantada en gaélico.

Aunque todas las pistas de este CD son una joya, es el último el que tal vez mejor resume la esencia de la "Invocación". Titulado "El viento en el mar", el texto del poeta místico Glungel Amergin del siglo Sexto proclamó,
"Yo soy el viento que sopla sobre el mar Yo soy la ola en el océano
¿Quién sino yo puede arrojar luz sobre la reunión de las montañas?
¿Quién sino yo voy a llorar en voz alta los cambios de la luna?
¿Quién sino yo puede encontrar el lugar donde se esconde el sol?"



1. The Rising Of The Sun
2. Sleepsong
3. The Last Rose
4. Hin Barra
5. Winter, Fire And Snow
6. Under The Greenwood
7. Heia Viri
8. Song Of Oisin
9. Quis Est Deus
10. Peperit Virgo
11. Siuil, A Ruin
12. Goltrai
13. Innisfree
14. Wind On Sea

Invocation

AR Rahman - Meenaxi - Tale of 3 Cities [India]

ACTUALIZADO!!

Meenaxi es la banda sonora de la película de Bollywood Meenaxi: Tale of 3 Cities, dirigida por el famoso artista MF Husain y protagonizada por Tabu, Kunal Kapoor y Yadav Raghuvir. A.R. Rahman es el compositor de la Banda Sonora. Rahat Indori, MF Husain, y Singh Sukhwinder fueron los letristas, Rahman compuso algunas de las mejores canciones de su carrera para esta película.

El audio fue lanzado el 24 de enero 2004 con grandes controversias sobre la canción Noor-Un-Ala, la letra de la cancion se había adaptado directamente del Corán. Posteriormente, la película se retiró de las salas de cine, porque algunas organizaciones musulmanas planteaban objeciones a la canción. El Consejo All India-Ulema se quejaron de que la canción Qawwali era blasfema. El Consejo recibió el apoyo de algunas organizaciones musulmanas como el Consejo de Milli, el Consejo All-India Musulmán de la Academia Raza, Jamiat-ul-Ulema-e- y el Jamat-e-Islami. el Hijo de Husain dijo que las palabras eran una frase que se refiere a la divina belleza que estaba siendo cantada por el personaje principal interpretado por Tabu. Él dijo que no había intención de ofender. A raíz de la ola de protestas el artista enfurecido quitó la película de los cines.

Wikipedia

01. Yeh Rishta - Reena Bhardwaj

02. Chinnamma Chilakkamma - Sukhwindra Singh

03. Do Kadam - Sonu Nigam

04. Dhuaan Dhuaan - Asha Bhosle

05. Rang Hai - Alka Yagnik

06. Noor-Un-Ala-Noor - Murtaza Khan,Qadir Khan

07. Cyclist's Rhythm - Instrumental

08. Potter's Village - Instrumental

Tale of 3 Cities

Paddy And The Rats - Tales From The Docks

Paddy & The Rats was formed by the singer-songwriter Paddy, Vince (bass) and Joey (electric guitar) in 2008. Then Seamus (drums) joined them and two authentic musicians, Sonny (accordion) and Sam (fiddle, tin whistle, banjo and bagpipe). As for their becoming rats, the six „Irish” guys say: punk is the same in music as rats among the animals – dirty and malicious, and they exactly play it. The band is combining different nations’ pub music with hot and dirty punk rock. To spice up their own songs they use Irish pub music and Celtic features, but sometimes Russian and gypsy elements and rhythms are also present. The band’s first album – Rats On Board – will be released in march 2010 by Nordic Records and it will be available on Itunes and Amazone. Also, Uncleowen Records is releasing it in Japan. Those listening to their music won’t definitely stay sober, because the rolling jig rhythm makes everybody dance and even jump – and get drunk! Most of the lyrics are about drinking and pub stories (Fuck You I’m Drunk, We will fight, Pub’n roll). Last year they had more than 100 gigs, they took part in festivals in Hungary, Sweden, Denmark, Austria, Slovakia and Serbia. At gigs, besides their own songs they play such Irish songs as Wild Rover or Whiskey In The Jar, sailor songs (Drunken Sailor, Bully In The Alley) and punk anthems (Sex Pistols, Green Day) with fiddle, banjo, accordion, bagpipe, whistle – and of course, a lotta rock’n’roll. Their aim is to introduce the crowd to different kinds of pub music and pub culture…http://www.myspace.com/paddyrats




01 – Bastards Back Home 
02 – The Edge Of Life 
03 – The Captain’s Dead 
04 – Paddy And The Rats 
05 – Wasted Time 
06 – Drunken Tuesday 
07 – Celebrate 
08 – Ghost From The Barrow 
09 – I Always See You 
10 – Red River Prince 
11 – Let’s Go, Johnny! 
12 – Scums of the Seven Seas 
13 – Here We Go 
14 – We Are One 


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Mediaeval Baebes - The Huntress (2012)

The Mediæval Bæbes are a British ensemble of female musicians founded in the 1990s by Katharine Blake and included some of her colleagues from the band Miranda Sex Garden, as well as other friends who share her love of mediaeval music. The lineup often rotates from album to album, and ranges from six to 12 members.
The Bæbes provided the vocal track for and starred in the video of the Delerium track "Aria"; the vocals are an adapted version of the vocals from "All Turns to Yesterday" from Worldes Blysse. They are also featured on two tracks from Delerium's 2006 album, Nuages du Monde: "Extollere" and "Sister Sojourn Ghost". In 2005, the Bæbes contributed Mediæval Bæbes music to the soundtrack of the BBC period drama The Virgin Queen, which portrays the life of Elizabeth I, including the title music, which is a poem written by Elizabeth set to music by Blake.http://en.wikipedia.org/wiki/Medi%C3%A6val_B%C3%A6bes



CD 1
1. Lenten Ys Come
 2. Wynter Wakeneth
3. She Walks in Beauty
4. She Moved Through the Fayre
5. Under the Willow Tree
6. Cry of the Garb
7. Cathedral of Song
8. Care Away
9. Cruel Sister

CD 2
1. Dianae
2. Queen and Huntress
3. Veni Veni Bella
4. The Rose-Bud
5. Clasp of a Lion
6. Phantom
7. Jennet’s Song
8. Dies Irae

CD 3
1. Infida’s Song
2. Timor Mortis Conturbat Me

MEDIAFIRE

TORRENT

Elephant Revival - It's Alive (2012)

Hailing from Nederland, Colorado, the folk group Elephant Revival has been making nationwide waves with their beguiling blend of Americana, bluegrass, jazz standards, and Celtic fiddle tunes with small dashes of psychedelia and pop. Having toured extensively in 2012, including a couple of energetic dates in Crested Butte, the band also had time to record a new EP titled It’s Alive. Utilizing new recording technology that is designed to greatly benefit the highs and lows of acoustic music, Elephant Revival’s latest offering a stellar representation of all that this great band brings to the table. Tunes run the range of the Elephant Revival canon, from instrumental Celtic-inspired tunes (“Tam Lin Set”) to poppier, sing-a-longs such as the standout track “To and From” which combines the band’s penchant for earthy, spiritual lyrics with a nostalgic, romantic chorus.


01 – What’s That
02 – Quill Pen Feather
03 – Wake’s Only Daughter
04 – Tam Lin 05 – To and From
06 – Part of a Song
07 – Don’t Drift too Far
08 – A Moment
09 – Raven Song

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Chaibhuk Bhutrachinda - Siamese Fantasia [Tailandia]

Los cuatro discos de Siamese Fantasia, son la fusion de la musica tradicional con las nuevas musicas tailandésas. utilizando instrumentos del Este y del Oeste. Para hacer que la música contemporánea sea escuchada con mayor facilidad por los occidentales. Chaibhuk Bhutrachinda (Nick Gorphai) ha jugado un papel muy importante en la música tradicional tailandesa y en la música tailandesa en general.

1 Lao ded duang dok mai 4.12
2 Sroy son tad 3.59
3 Lao charoensri 4.54
4 Panfai 5.27
5 Ma-yura-phirom 6.03
6 Keaw kao 4.14
7 Kra-tai-ten 6.28
8 Burung kakratua 4.48
9 Khab mai ban dor 5.40
10 Pran (homage to John Cage) 5.48



VOL.1
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1.Khaek Khao 3.42
2.Lao Suay Ruay 5.07
3.Khom Song Krueng 4.47
4.Mae Ngou 3.58
5.Ar hear 4.27
6.Buntherng Gasorn 4.31
7.Si Nuan 15.44
8.Ching Prachan Chao 13.02


VOL.2
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 Estos dos temas pertenecen al VOL.3 y VOL.4 si les interesan los pueden descargar en nuestro foro (Discos Asia), solo tienen que registrarse, les dejo el enlace.. 
http://gpssonoro.foroactivo.com/

 

Te Vaka 2 Cd´s

En términos de músicas del mundo, Aotearoa (Nueva Zelanda) se
suele identificar con la cultura maorí. Pero allí también conviven
muchos otros pueblos procedentes de varias naciones del Pacífico,
especialmente en Auckland, que es ya desde hace tiempo la mayor ciudad
polinesia del mundo. Te Vaka es la banda con mayor éxito mundial que toca música del Pacífico
contemporánea original, y la han estado presentando de forma enérgica
en los escenarios de todo el mundo desde su formación en 1995

El fundador del grupo es Opetaia Foa'i, nacido en Samoa Occidental. Sin embargo, su padre era del archipiélago de Tokelau y su madre de Tuvalú, así que él creció en una comunidad con elementos predominantes de Tokelau. Por esta razón, el tokelaués es
su lengua principal y en la que compone todas las canciones de Te Vaka.
Aun así, entre los once miembros del grupo encontramos a personas de
todo el Pacífico (siete pertenecen a la extensa familia Foa'i) e
incluso hay un palangi, un neozelandés de ascendencia europea. Así que Te Vaka crea un sonido verdaderamente panpacífico.

Opetaia
dice que su primer instrumento fue el suelo, que usaría como
instrumento de percusión durante sesiones musicales nocturnas en las
reuniones familiares de su niñez. Propulsados por la ambición de Julie,
la esposa de Opetaia, que se ha convertido en la mánager del grupo, han
producido hasta el momento tres álbumes muy elogiados. Aunque incluyen
programación, guitarras y esencias de rock, pop, funk y soul, la música
de Te Vaka se basa en los ritmos del Pacífico gracias al uso del pate
(tambores con un solo tronco o con tronco doble) y del pa’u (congas y
bombos indígenas de piel de cabra).



Como
destaca Julie, sus raíces son profundas: «Las influencias tradicionales
que inspiran a Te Vaka son todas anteriores a la evangelización, por
ejemplo las antiguas danzas fatele, donde el foco está en los ritmos y
los cantos, y hay mucho entusiasmo y energía tribal». Los cuatro
bailarines del grupo aportan una vibración emocionante a las
actuaciones en vivo de Te Vaka y renuevan sus propias coreografías
inspirándose en influencias de todo el Pacífico.

Su música
también tiene una vertiente seria, tal y como muestran las traducciones
de las letras de Opetaia que aparecen en la carátula de sus discos.
«Estamos muy preocupados por la situación del nivel del mar y por lo
que podría ocurrirles a las culturas y lenguas únicas de archipiélagos
como los de Tokelau y Tuvalú en el caso de que la población se viera
obligada a reasentarse», declara Julie. «Estamos intentando concienciar
a la gente sobre esta situación a través de la música, e intentamos
ayudar a preservar la lengua y la cultura transportándolas al mundo
moderno.» Información


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Youssou N´Dour - The Guide( Wommat)

Youssou N'Dour, a superstar at home in Senegal and in most of Africa, possesses an astonishingly strong and supple high-tenor voice, and he writes tuneful, insightful songs about his fellow West Africans' transition from isolated rural villages to cosmopolitan big cities. The Guide (Wommat) includes several calculated enticements to lure an Anglo-American audience: a bilingual duet with hip-hop star Neneh Cherry on "Seven Seconds," a guest appearance by saxophonist Branford Marsalis on "Without a Smile," and a bilingual version of Bob Dylan's "Chimes of Freedom." The Marsalis and Dylan experiments work, while the Cherry one doesn't, but they're superfluous to the main focus of the album, which is N'Dour's shift from a bandleader to a singer-songwriter with a backing band. The infectious mbalax rhythms of Senegal are still there, but they're pushed down in the mix so the focus is on N'Dour's vocals. There are some missteps, like the simple-minded cheerleading of "Tourista" and "Love One Another," but for the most part N'Dour comes across as the Stevie Wonder of West Africa. --Geoffrey Himes



1: Leaving (Dem)
2: Old Man (Gorgui)
3: Without A Smile (Same)
4: Mame Bamba
5: 7 Seconds (Duet with Neneh Cherry)
6: How You Are (No Mele)
7: Generations (Diamono)
8: Tourista
9: Undecided (Japoulo)
10: Love One Another (Beuguente)
11: Life (Adouna)
12: My People (Samay Nit)
13: Oh Boy
14: Silence (Tongo)
15: Chimes Of Freedom

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Pharoah Sanders-Save Our Children

There are producers who mold and shape recording sessions around the skills of the featured artist or bands. And there are producers who bring an artist onto their own landscape and mold that featured artist to their (the producers') own whims. Bill Laswell is among the latter, generally engaging a rotating cast of regular collaborators, including funk keyboard man Bernie Worrell, and the usual squad of eastern percussionists, which in this case includes the distinguished East Indians Zakir Hussain and Trilok Gurtu. The danger in this approach is that the personality of the nominal leader of the recording date, in this case Pharoah Sanders, is often lost in the producer's vision. Such is the case with this date. From the opening bars it's clear this is more about Bill Laswell's vision than Pharoah Sanders. Isn't that kinda like the child is father to the man? Pharoah is credited with tenor and soprano saxes, double reed (which one?), percussion and voice; so I gather the title track opener confines his contributions to voice? If this track were all one were to hear, one would be hard-pressed to identify this as a Pharoah Sanders date. And with a saxophonist as distinguished of voice as Sanders, this just won't do. "Midnight in Berkeley Square," a re-working of "A Nightingale Sang in Berkeley Square," finally introduces the tenor many have come to know and love, buoyed by Alex Blake's incessant strummed bass, but even then he is awash in trappings. If you could ever imagine Pharoah Sanders on smooth jazz radio, this might be the track. Come back Pharoah, and leave Laswell to lesser lights. --Willard Jenkins, Jazz Times



 

Pharoah Sanders - Saxophones, Double Reeds, Vocals  
Trilok Gurtu - Drums, Tabla  
Alex Blake - Bass  
Jeff Bova - Synthesizer  
Tony Cedras - Harmonium  
Asante - Vocals  
Abiodun Oyewole - Vocals  
Abdou M'Boup - Talking Drum, Vocals  
William Henderson - Harmonium, Piano  
Zakir Hussain - Maracas, Tabla, Vocals, Wood Box  
Bernie Worrell - Organ, Electric Piano, Synthesizer

 1. Save Our Children 
2. Midnight In Berkeley Square 
3. Jewels Of Love 
4. Kazuko 
5. The Ancient Sounds 
6. Far-Off Sand


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Nikola Parov - Naplegenda (Sunlegend)

Sunlegend es un espectáculo fresco, un creativo espectáculo de danza que refleja las demandas del siglo 21, lo que representa el culto al Sol y su papel en nuestras vidas, la relación entre su órbita y la forma y las vueltas de la vida humana con los medios de arte únicas. El CD de Sunlegend que contiene toda la pieza musical de la actuación ha sido bien acogida por los coleccionistas de discos que ardientemente prefieren folk y músicas del mundo. El compositor de la producción Nikola Parov ha trabajado en todo el mundo como solista de la Orquesta de Riverdance. Al componer Sunlegend, ha creado un nuevo mundo musical original, donde el sonido del saxofón, batería, y violín forman una armonia real. Esta composición es una mezcla fascinante de la dinámica, la tradición y el misticismo, creado en el estilo folk y músicas del mundo.

Sunlegend is a fresh, creative dance show performance reflecting 21st century's demands, representing the cult of the Sun and its role in our lives, the relationship between its orbit and the way and turns of human life with unique means of art. The CD of Sunlegend which contains all music piece of the performance has been welcomed ardently by disc collectors preferring folk and world-music. The composer of the production Nikola Parov has been playing worldwide as a soloist of the Riverdance Orchestra. By composing Sunlegend, he has created a new, original musical world, where the sounding of saxophone, drums, brass and violin form real harmony. This composition is a fascinating mixture of dynamics, tradition and mysticism, created in folk and world music style.
With the Sunlegend dance theatre production the creators have brought a brand new and unique visual and soundings into the world of Hungarian and foreign dance theatre. The performance which has been played only among theatrical circumstances before is being presented on outdoor stages as well since 2001 using world-standard view-, sounding- and light technology.
The choreographer, Gibor Mihilyi has allied and staged the most dynamic and whirling motifs of Hungarian folk dance with the contribution of the Hungarian State Folk Ensemble and his work has been honored with the Creator of the Year" award in 2000 founded by the Association of Hungarian Dance Artists.
The message of the play is brought nearer to the audience by the high standard chiseled scenery and graphics by Geza Barcsik. The joint purpose of the creators is to introduce the performance to a wider public and to come by a worthy reputation throughout Europe."! Budapest producer, Nikola Parov, who not only constructs modern chamber-folk arrangements! but also plays a staggering array of instruments himself.."/Geoffrey Himes - The Washington Post/



1    Pentages           
2    Wild in the Morning           
3    Birdy, Birdy           
4    Tough Men           
5    Leaving For Good           
6    Tender Skirts           
7    Confusing Sunshine           
8    Jump Around           
9    Waltz in the Country           
10    Lonley Man           
11    Dance of Desparation           
12    My Sun, My Sun           
13    My Heart Is Cold           
14    Wild in Dance           
15    Where the Sun Comes From We Came           
16    Fly Birdy Fly

  Naplegenda (Sunlegend)

Vamos andando caminos - Los Andariegos [Argentina]

Los Andariegos
“Vamos andando caminos…”

Nuestra música popular de inspiración folklórica es una roca dura de tallar. Cualquier 
persona medianamente familiarizada con esta música, sabe que no siempre los artistas 
logran identificarse totalmente con los elementos más característicos de aquello quellos que 
interpretan. Los menores detalles denuncian esa falta de identidad. Los dolidos cantos 

del norte o las románticas expresiones del litoral, en labios de intérpretes que por su 
formación y su origen pertenecen a otras regiones del país, suenan generalmente a cosa falsa, 
como cuando un cantante de ópera entona canciones populares. Es verdad que en sus 
interpretaciones habrá fidelidad absoluta a la letra; es verdad que en ella no faltará una 
sola de las notas de esas canciones, pero el espíritu de la música popular no está en la 
letra ni en las notas, está por debajo de todo ello y no se puede penetrar en su sustancia 
con sólo raspar con la uña. Hay que cavar bien hondo para que fluya el agua pura.

La moda siempre fluctuante, en estos últimos años, ha puesto a los productos del pueblo 
sobre la arena, y ha replanteado sus innegables valores. Todos han sentido la enorme fuerza 
de atracción de que están cargados tales productos, y se han acercado a ellos con las mejores 
intenciones, porque ellos les daban la posibilidad de una expresión bien diferenciada, de una 
expresión con personalidad. Lo "popular", proyectado sobre gentes o grupos de las más diversas 
extracciones sociales, de las más diversas formaciones culturales, produjo también los más 
diversos resultados. Sobre todo, produjo una inusitada proliferación de intérpretes que, como 
solistas o reunidos en conjuntos, comenzaron a disputarse y repartirse las preferencias del 
público. Entonces, fue el público el que tuvo que discriminar. Primero, con errores que lo 
llevaron a una ubicación equivocada frente a las expresiones auténticamente populares. Después, 
a medida que la experiencia se iba acumulando y convirtiendo en material informativo, poco a poco 
el público fue haciendo su elección, más definitiva, más madura. Las vidrieras de los bazares 
siguieron exhibiendo los "productos regionales", pero el ojo aguzado del público fue advirtiendo 
el verdadero origen de estos productos. Y en verdad, no es mucho lo que fue quedando.

Hace tiempo que "Los Andariegos" recorren los caminos del canto popular. Hace tiempo que el público 
los acompaña. Pertenecen a aquellos que han quedado. Mendoza los vio nacer y en ese centro de gravedad 
del Cuyo Argentino, se acunaron sus primeros fervores por la canción de todos. Cinco voces, guitarras 
y bombo, se largaron un día desde el trampolín de la Cordillera, con la única intención de abrevar en 
todas las fuentes de donde manara el lenguaje del pueblo. La tierra y el hombre fueron sus objetivos. 
Se propusieron penetrar en ellos para lograr los secretos de sus cantos y, lo que es más importante, 
para comprender cabalmente el motivo de ellos. No eligieron una región del país para expresarse en un 
idioma al que se creían mejor asimilados. Eligieron el país, con toda su variedad de idiomas musicales.

Este disco es un ejemplo de ello. Ahí está "Carita Morena", que es una típica zamba de acentos sureños 
junto a la vidala o el carnavalito. Ahí está la chacarera del centro, junto a la chaya. Están a través 
del filtro de un estilo que es especialmente propio de "Los Andariegos", un estilo que no recurre a 
efectos exteriores rebuscados; un estilo que siempre es representativo del sitio a que pertenece la 
canción que entonan, pero que, además, es representativo de cinco hombres que son proyección de otras 
emociones, sin dejar de ser ellos mismos, sin dejar de ser sus propias emociones. Son celosos guardianes 
de la integridad de una canción, porque esa canción responde a una realidad. No se dejan tentar jamás, 
apartándose de la esencia de los materiales. Pero como artistas dinámicos, constantemente introducen 
variantes a las formas para darles el sello de su estilo sin alterar su carácter. Es la famosa ley de
la "autocorrección" que siempre está latente en los productos de la creación popular y, gracias a la 
cual, la vida de esos productos siempre mantiene su frescura, merced a las variantes constantemente 
renovadas que los ocasionales intérpretes introducen.

Es difícil que escuchando a "Los Andariegos" a alguien se le ocurra que son hombres de Cuyo, cantando 
las cosas del norte, del centro o del sur del país. Como las piedras en el lecho del río, la esencia 
de sus cantos está en el fondo de sus voces viajeras.

Jorge Aráoz Badí.

Componen ''Los Andariegos": Angel Ritro, Rafael Tapia, Raúl Mercado, Abel González y Juan c. Rodríguez. 
Origen: San Rafael (Mendoza). Actuaciones: Radio Splendid, Teatro Astral, y T. V. desde el año 1956. 
Giras por el interior del país y por Chile.




Los Andariegos
“Vamos andando caminos…”
Sello tk - LD-90-081
Monoaural


01. LA DEJE PARTIR - Zamba (Arsenio Aguirre).

02. CHACARERA DE LOS NOVIOS (Carlos Di Fulvio).

03. MALAMBEANDO - Aires de malambo (Raúl Mercado).

04. AMO TU YANEI - Canción (F. Lecaros Sánchez).

05. VIDALA DE LA COPLA - Vidala chayera (Chango Rodríguez).

06. PASTORCITA DE AMANCAY - Chaya (Juan Carlos Speciali "Chito Galindo").

07. CARITA MORENA - Zamba (Quiroga - Juárez).

08. LA PLUMITA - Cueca norteña (Arsenio Aguirre).

09. LA ZAFRERA - Zamba (Armando Tejada Gómez - M.O.Matus).

10. VAMOS BURRITO - Canción norteña (Sorelo - Vidal).

11. LA TUCUMANITA - Carnavalito (Miro Dalma - E.Joubin Colombres).

12. VIDALA DEL NOMBRADOR - Vidala (E.Falú - J. Dávalos).


http://www.losandariegos.dx.am/ 

http://www.raulmercado.dx.am/

DESCARGAR Vamos Andando Caminos

Alex De Grassi & Quique Cruz - Tata Monk

El guitarrista Alex de Grassi y el multiinstrumentista chileno Quique Cruz colaboran en esta colorida fusión de instrumentos andinos (Kenas, zampoñas, charangos y guitarras acústicas), con ritmos de América Latina (saya, milonga y huayno) y música contemporánea.

Alex de Grassi (guitar, acoustic guitar, classical guitar, baritone guitar);
Quique Cruz (charango, flute, antara, rondador, ron roco);
Jeff Beal (trumpet, flugelhorn);
Jon Evans (double bass);
Ian Dogole (cymbals, rainsticks, percussion).
Audio Mixers: Spencer Brewer; Steven Miller.

01. Sanchaly
02. Alba
03. Akamani
04. Auscencia
05. Pérdidas
06. Encuentros
07. Milonguera
08. Tata Monk




Rapidshare Tata Monk
Filefactory Tata Monk

Raúl Mercado - SINFONIA COYA (version Japonesa) - [Argentina]

Raúl Mercado
SINFONIA COYA
Polydor POCP-1210

"Sinfonia Coya", Hubo dos ediciones, la de Argentina .(ya subido a GPS anteriormente)
y la de Japon.

La 1ra. con portada de Vicente Garcia, comentario de
Leonardo Castillo y un tema "Madre Luz Latinoamérica"
que no figura en la edic.japonesa y tampoco " Canciòn para Elba Susana"
por ser "urticantes" para la època.

Arreglos y aeròfonos :RAUL MERCADO

Los intérpretes son: Cacho Ritro, Agustin Gomez, Alberto Sara
Hugo Rodriguez.

http://www.losandariegos.dx.am/
http://www.raulmercado.dx.am/

TEMAS
01. SINFONIA- adap. de la sinfonía de partita nr 2 en do menor de JS Bach
02. JESUS ALEGRIA DE LOS HOMBRES - adap. del coral de la cantata nr. 147 de JS Bach
03. TRISTE Nr. 5 Luliàn Aguirre-aire de yaravì
04. SE EQUIVOCO LA PALOMA C.Gustavino.vidala
05. ARIA DE STABAT MATER - Pergolesi
06. LA OLVIDADA . Hnos Dìaz - A Yupanqui-chacarera
07. LA AÑERA – N.Còrdoba – A Yupanqui-zamba
08. TE RECUERDO VICTOR – R.Mercado - Fragto. Del poema “A Victor Jara” R. Gonzalez tuñòn - Dice:Alberto Sarà
09. CANCION PARA MI NIÑO POETA – R.Margarido - R.Mercado - Dice: Alberto Sarà
10. EL CONDOR PASA – A.Robles.



 Subido por Maria Antonieta
SINFONIA COYA (version Japonesa)

Luar Na Lubre - Mar Maior (2012) [España]

Es destacable también la incorporación de la nueva voz del grupo. Tras la estela de Ana Espinosa y Rosa Cedrón, llega la dulce y personal voz de la lisboeta Sara Vidal, que confirma un aporte de frescura y nitidez a la nueva etapa de la banda; con la que ya lleva desde su incorporación en el año 2005, 4 CDs como vocalista: "Saudade", "Camiños da fin da terra", "Ao vivo" y "Solsticio".
12 trabajos discográficos, 9 de ellos editados por Warner España, más de 300.000 discos vendidos, 2 discos de oro, 9 Premios de la Música y 1.000 conciertos en más de 23 países confirman a Luar Na Lubre como la propuesta musical más consistente y estable de Galicia.

El año 2011, Luar Na Lubre es embajador musical de su tierra realizando más de 35 conciertos y llevando la marca “Galicia” por los mejores teatros y festivales del estado con un éxito más que notable.

La banda reemprende una nueva etapa en la que presentará por diversos escenarios a Paula Rey, la nueva voz que sustituye a la de la lisboeta Sara Vidal, una voz cargada de matices y de energía que combinada con la riqueza instrumental y estilística de la banda, no dejará indiferente a nadie.

La música medieval tiene en “Mar Maior” (Warner Music Spain), un importante protagonismo, sobre todo la galaico portuguesa, aunque también están presentes las músicas tradicionales gallegas y atlánticas, así como las composiciones propias que ayudan a elaborar una banda sonora inspirada en el Leabhar Ghabhala Eireann o Libro de las Invasiones de Irlanda, escrito por los monjes irlandeses en el siglo XII, siendo un libro de referencia de su historia, y que coincide con la época de máximo esplendor de la lírica galaico portuguesa. Un trabajo que recorre los viejos lazos de unión de Galicia con la verde Irlanda.




01. A Invocación De Amergín
02. Romance De Novembro
03. Ith
04. Camino De Caión
05. Gran Sol
06. Dona Alda
07. Santa María Loei
08. Leabhar Ghabhála
09. Mandad'ei Comigo
10. Ao Pasar Pola Coruña
11. Milesians
12. Canto De Arada
13. Les Sets Gotxs
14. Camiña Don Sancho

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