jueves, 28 de febrero de 2013

Mary Jane Lamond & Wendy MacIsaac-Seinn



SEINN reflects the great love and respect that Mary Jane Lamond and Wendy MacIssac have for Nova Scotia tradition, and for each other. The record achieves a delicate balance between the musical sensibilities of two artists, showcasing traditional and original compositions among the melancholy of Gaelic song and the joy of fiddle tunes. Some of the material was learned from the recordings of older Cape Breton singers and fiddlers, some songs were chosen from existing repertoires, and some were written specifically for this project. The record fuses Roots arrangements with a traditional presentation, capturing the enjoyment and fun that Mary Jane and Wendy have together on and off the stage
This is a powerful collaboration borne of a long-time friendship and a shared love of Celtic music. Whether it's the mesmerizing Gaelic vocals of Mary Jane, or the superb and true musicianship of Wendy on the fiddle, these ladies have been making their mark with traditional audiences worldwide for over two decades. Mary Jane and Wendy have both been recognized internationally for their solo music careers, and Wendy has been Mary Jane's steadfast comrade in the presentation of her music for many years. It seems only natural that these two impressive talents now come together to create a true musical partnership, which will combine their musical sensibilities, their strong Celtic roots, and their colourful personalities.
On Cape Breton Island, the rich heritage of the region's Highland settlers was kept alive through music, songs, and stories. It was in Nova Scotia, while visiting her grandparents throughout her youth, that Mary Jane fell in love with Scottish Gaelic traditions and song. While enrolled in Saint Francis Xavier University's Celtic Studies program, Mary Jane released her first album, Bho Thir Nan Craobh, a collection of traditional material that introduced her unique singing voice and, then unknown fiddler, Ashley MacIsaac. She has continued to dedicate her musical career to the preservation of Scottish Gaelic songs and has garnered numerous JUNO and ECMA award nominations, critical acclaim, and a worldwide audience for her efforts. Mary Jane's four recordings create a respectful and beautiful framework for ancient Gaelic songs and her spell binding performances make these selections truly come alive.
Wendy is an award-winning fiddler, piano player and step dancer from Creignish, Cape Breton. A born performer, she began appearing publicly at age 5 as a step dancer. At age 12, she began fiddle lessons with Stan Chapman. By age fifteen, Wendy was playing dances all over Cape Breton Island, forming the sound that makes her so recognizable today. With five records to her credit – the most recent "Variations" with her Cape Breton Celtic Supergroup, Beolach – she is a favourite with traditional audiences everywhere. Wendy has toured all over the world as a solo performer, and with The Rankins, Mary Jane Lamond, Ashley MacIsaac and Beolach. Established tradition bearers, both Mary Jane and Wendy are skilful, enthusiastic teachers that are in high demand at festivals worldwide



1. Yellow Coat 2. Air A' Ghille Tha Mo Run - It Is the Lad That I Love
3. Oran an T-Saighdeir - the Soldier's Song
4. Keeping Up With Calum
5. Rinn Mi Corrs Is Naoi Mile - I Travelled More Than Nine Miles
6. Angus Blaise
7. Hoiereann O Rathill Iu O
8. Seudan A' Chuain - Jewels of the Ocean
9. Oran A' Mheirlich - the Theif's Song
10. Boise Monsters
11. Taladh Na Beinne Guirme - the Blue Mountain's Lullaby
12. If You Were Mine





In the Name of Love Africa Celebrates U2


En 2008, fue lanzado un álbum tributo a U2 con una serie de músicos africanos, quienes decidieron honrar a Bono por sus campañas contra la pobreza en África. El álbum producido por Shawn Amos y liberado por Shout Factory se llama "En el nombre del Amor: Africa Celebrates U2" y con la participación de Angelique Kidjo, Bastos Waldemar, Les Nubians, Tony Allen, African Underground All Stars-o Sierra Refugee All Stars Leona, un tema que también participa en el guitarrista de Aerosmith Joe Perry. Parte de las ganancias del álbum fueron entregados al Fondo Mundial, una asociación que lucha contra enfermedades como el sida y la tuberculosis en África.



 

1. Angelique Kidjo - Mysterious Ways
2. Soweto Gospel Choir - Pride (In The Name Of Love)
3. Keziah Jones - One
4. Vieux Farka Toure - Bullet The Blue Sky
5. Ba Cissoko - Sunday Bloody Sunday
6. Waldemar Bastos - Love Is Blindness
7. Tony Allen - Where The Streets Have No Name
8. African Underground Optimus & Iyoka - Desire
9. Sierra Leone's Refugee All Stars - Seconds
10. Les Nubians - With Or Without You
11. Cheikh Lo - I Still Haven't Found What I'm Looking For
12. Vusi Mahlasela - Sometimes You Can't Make It On You Own





miércoles, 27 de febrero de 2013

O Sister! – Shout, Sister


http://osister.bandcamp.com/

O Sister! es un homenaje a la música popular norteamericana de los años 20 y 30 y, en general, de las décadas doradas del "dixie" y del "swing", llevando como principal referencia artística a las míticas The Boswell Sisters, trío de mujeres pioneras en el jazz vocal, que quizás no han alcanzado la popularidad que merecían, aún siendo imitadas por muchos grupos vocales posteriores y admiradas por artistas de la talla de Ella Fitzgerald. El proyecto, impulsado por la cantante Paula Padilla, se centra fundamentalmente en la búsqueda de repertorio muy poco conocido y de gran interés tanto por su contenido melódico como por sus letras, así como la armonización y arreglo de temas más clásicos, pero de los que no se encuentran versiones a tres voces. O Sister! actualizan un estilo que pretenden acercar al público general, y no exclusivamente al oyente habitual de jazz, y recuperar así esa forma de entender la música -abierta, espontánea, divertida y directa-, que tan necesaria se hace dentro de la realidad actual. Una realidad cuya situación social bien podría recordar a la vivida durante la famosa Gran Depresión. El segundo álbum de la banda, titulado “Shout, Sister!” (Discóbolo, 2012) en homenaje a todas las mujeres del jazz, fue grabado en el estudio del productor y músico Jordi Gil (Sputnik, Sevilla) en riguroso directo y con todos los músicos tocando al mismo tiempo y en la misma sala, al más puro estilo de la época. De esta manera O Sister! pretende conservar sonoramente la misma frescura y espontaneidad que pueden transmitir en sus conciertos, pero sin el añadido de la puesta en escena y el contacto con el público; motivos más que suficientes para entender por qué es un grupo que hay que disfrutar en directo.


1.Shuffle Off To Buffalo 03:27
2.Rainy Days 03:24
3.Everybody Loves My Baby 02:30
4.Dinah 03:01
5.Puttin´On The Ritz 02:38
6.Dream A Little Dream Of Me 02:08
7.Was That The Human Thing to Do? 03:34
8.Anything Goes 02:46
9.Minnie The Moocher´s Wedding Day 02:52
10.Shout, Sister, Shout! 03:25
11.(We've Got To) Put That Sun Back In The Sky 02:58
12.Goin´Home 04:01






lunes, 25 de febrero de 2013

Two Sides -The Very Best Of Mike Oldfield [2012]


El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".
Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.
 A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo.
A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público. "Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra".
Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur. Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
http://es.wikipedia.org/wiki/Mike_Oldfield





CD1:

01- Tubular Bells (Part One) (Two Sides Excerpt)
02- Ommadawn (Part One) (Two Sides Excerpt)
03- Crises (Two Sides Excerpt)
04- The Lake (Two Sides Excerpt)
05- Amarok (Part One) (Two Sides Excerpt)
06- Amarok (Part Two) (Two Sides Excerpt)
07- Sentinel
08- Supernova
09- Ascension
10- The Tempest.


CD2:

01- Guilty
02- Family Man
03- Five Miles Out
04- Moonlight Shadow
05- Shadow On The Wall
06- To France
07- Etude
08- Magic Touch
09- Islands
10- Heaven?s Open
11- Tattoo
12- The Song Of The Sun
13- Summit Day
14- Lake Constance
15- Broad Sunlit Uplands
16- The Doge?s Palace
17- Amber Light
18- Angelique
19- On My Heart


|Part 1|
 
|Part 2|
 
|Part 3|

Emilia Amper – Trollfågeln The Magic Bird



Emilia grew up in Tors s a small town in South East Sweden and started playing the nyckelharpa at the age of ten. She has studied at the Eric Sahlstr m Institute where she is now a board member and has a BA in musicology and composition from the NTNU in Trondheim as well as a BA in Swedish folk music from the Royal College of Music in Stockholm and a Nordic Master in folk music from the same institution in conjunction with the Sibelius Academy in Helsinki the Academy of Music and Dramatic Arts Southern Denmark and the Ole Bull Academy in Norway. She has performed in many European countries as well as in China the USA Canada Namibia India and Brazil both solo and with folk music groups such as ODE Skaran and Blink as well as performing as soloist with the Trondheim Soloists She has also performed with Persian Kurdish and Indian musicians and with poprock and jazz musicians (including Jon Lord Deep Purple s former keyboardist who wrote a song for her). With the Trondheim Soloists Gjermund Larsen and 2L she won a Norwegian Spellemannspris in 2010 for the best classical album and was nominated for two US Grammy Awards. The same year she was proclaimed world champion on the nyckelharpa and in 2011 she was nominated Artist of the year at the Swedish Folk and World Music Awards




01. Till Maria 5:01
02. G-Mollpolska Efter A.G. Jernberg 3:27
03. Ut i m rka natten 4:57
04. Isadoras land 3:53
05. Trollfuglen 2:25
06. Polska fra Hoffsmyran 4:04
07. Herr Lager och sk n fager 3:11
08. Br nnvinsl t fr n Tors s 2:42
09. PigopolskanDen gl mda polskan 5:10
10. N r som flickorna de gifta sig 4:10
11. Kapad 4:46
12. Bredals N ckapolska 3:01
13. Galatea Creek 3:21
14. Vals fr n Valsebo 9:28


! UP !




Vusi Mahlasela - Sing To The People



His music is generally described as "African folk" and he is often dubbed as "The Voice" of South Africa. His work was an inspiration to many in the anti-apartheid movement. His themes include the struggle for freedom, and forgiveness and reconciliation with enemies. Vusi has released seven studio albums on Sony in South Africa and was signed to Dave Matthews' ATO Records in 2003.
Vusi can also be heard performing on Warren Haynes' Live at Bonnaroo release during the song "Soulshine", and the Dave Matthews Band song, "Everyday", from the album of the same name as well as a live version of the song with him which appears on the album The Best of What's Around Vol. 1. Vusi was also one of the performers at the Live 8 concerts and at Live Earth. Vusi performed at Nelson Mandela's inauguration in 1994 and has subsequently performed at Mandela's 90th Birthday 46664 celebration in Hyde Park, London[1] in 2008 and at Mandela Day at Radio City Music Hall July 2009.
 His song "When You Come Back" was used at ITV's theme song for their World Cup coverage in 2010[2] and Vusi performed at the FIFA World Cup Kick Off concert at Orlando Stadium in Soweto, South Africa.[3] In 2012, the SAMA Awards honored Vusi with a lifetime achievement award








1. Tonkana
2. Amdokwe
3. Our Sand
4. River Jordan
5. Say Africa
6. Ubuhle Bomhlaba
7. Silang Mabele
8. Kolozwana
9. Loneliness
10. When You Come Back, Nakupenda Africa
11. Tswang Tswang Tswang


| UP |






Soviet Army Chorus & Band-Boris Alexandrovich Alexandrov



Boris Alexandrov (1905-1994), Komponist, Arrangeur, Dirigent, Musikkritiker, Künstler und Professor für immense Prestige in der militärischen Musik seines Landes. Mit ihm auch als musikalischer Leiter Vladimir Alexandrov und Konstantin Vinogradov als Chorleiter zusammen. Der Satz, der noch setzt die Tradition der

Alexandrov, arbeitete in Zusammenarbeit mit den besten russischen Musiker, sondern immer über die Bedeutung von Coral Group (bestehend in neuerer Zeit von mindestens 80 Sänger und Solisten) fokussiert über dem instrumentaler Begleitung (Mischung aus herkömmlichen Western-Bläser, Perkussion, etc. - und traditionelle russisch-Balalaika, Domra, Bajan, etc. -).
Das Repertoire von 17 Songs auf dem Album, den Vorzug vor der russischen Volksmusik gewidmet, die einige andere Themen Repertoire Saxon als "Tipperary", "Annie Laurie" oder "Oh nein, John 'unter anderem. In den russischen Repertoire Korallen erscheinen zeitlose Themen wie "Volga Boat Song ',' Song of the Plains (Meadowland) 'oder' Kalinka '.
Das einzige Problem ist rein instrumental 'Kamarinskaya', eine herrliche Version von diesem Tanz populär gemacht in 1848 von dem Komponisten Michail Glinka, der erste Orchesterwerk ganz auf ein russisches Volkslied, die traditionell von Instrumenten wie der Geige spielte, betrug, Balalaika oder Ziehharmonika (Akkordeon). Ein großes Werk, kurz gesagt, für die Liebhaber der Chormusik.
http://en.wikipedia.org/wiki/Alexandrov_Ensemble
 





1.- Song of youth
2.- A birch-tree in a field did stand
3.- Far away
4.- Volga boat song
5.- You are always beautiful
6.- Along Peter's Street
7.- Tipperary
8.- Ah! lovely night
9.- Kamarinskaya
10-. Annie Laurie
11.- Song of the plains (Meadowland)
12.- Kalinka
13.- Bandura
14.- Oh no! John
15.- Snowflakes
16.- Ukrainian poeme
17.- Soldiers' Chorus from 'The decembrists'


| MC |

domingo, 24 de febrero de 2013

Oi Va Voi [Discografia]



Oi Va Voi is a British band that takes its name from a Yiddish-derived exclamation popular in modern Hebrew meaning, approximately, "Oh, dear!" It is an experimental band from London, England, which formed in the late 1990s. Their sound draws on Jewish music from both the Ashkenazic and Sephardic traditions, including both klezmer and Judaeo-Spanish music, as well as Eastern European, especially Hungarian folk music, as well as contemporary electronic music.





Digital Folklore



| MC |


Laughter Through Tears



 http://www.mirrorcreator.com/files/10VVXSNH/O_-1.rar_links


Oi Va Voi



http://www.mirrorcreator.com/files/7Z3JVJAA/O_-4.rar_links


Travelling The Face Of The Globe



http://www.mirrorcreator.com/files/04ZUBZ4Z/O_-5.rar_links


Refugee (Matthew Herbert Big Band Remix)



 http://www.mirrorcreator.com/files/18UWJDQL/O_-3.rar_links


Refugee retail 



 http://www.mirrorcreator.com/files/5MTYTMUW/O_-2l.rar_links









viernes, 22 de febrero de 2013

Aly Bain - Lonely Bird [Escocia]


Born in Lerwick, Shetland in 1946 Aly began playing the fiddle at the age of eleven. In his early twenties, Aly headed to mainland Scotland. His dramatic playing, with great tone and technical ability brought early recognition as an outstanding musician of the folk music revival, and almost overnight, raised the level of expectation for music lovers throughout the country.
http://www.shetland-music.com/prominent_artists/artistes/aly_bain/

Aly Bain - fiddle
Chris Newman - guitar
Violet Tulloch - piano
Danny Thompson - bass




1. Gillan's Reel/Charles Sutherland/Donald Stewart The Piper
2. Mrs. Jamieson's Favourite
3. Rosemary Brown
4. Spey In Spate/Pottinger's Reel/Dowd's Reel
5. The Beauty Of The North/The Pirate's Hornpipe
6. Midnight On The Water/Bonaparte's Retreat
7. Herr Roloff's Farewell
8. Aly's Waltz
9. Annalese Bain/Phil Cunningham's Reel/Andy Brown's Reel
10. Lonely Bird
11. Weindia Little/Da Fashion O Da Delting Lasses/Da Black Hat
12. Junior's Waltz
13. Captain Campbell/Earl Grey/Largo's Fairy Dance

 Lonely Bird
 Mp3 320 Kbps...Covers..by fulcanelli

jueves, 21 de febrero de 2013

Eliseo parra - Tribus hispanas [España]




TRIBUS HISPANAS es un disco que recoge el espíritu de las viejas canciones tradicionales y de los bailes que la España profunda ha cultivado a lo largo de los siglos. Son las diferentes tribus que se establecieron en la franja central de la ‘península Ibérica, en CASTILLA, con sus ritmos y voces, las que han inspirado al compositor y cantante Eliseo Parra para realizar este precioso trabajo, junto a músicos de la talla de Javier Paxariño (artífice de la “nueva música” española) y Juan Alberto Arteche (componente del mítico Nuestro Pequeño Mundo
y productor del sello) quienes han llevado a la practica una labor de desbroce y adaptación al sonido que la música tradicional merece hoy en día.
Un disco para paladear tranquilamente y dejarse llevar por la propuesta del viaje hacia la ancestral sabiduría de las “TRIBUS HISPANAS


1 La llave de la alegría
2 Van por el aire
3 Suite del Rebollar
4 El silenci d´estimar
5 Por el azul de este mar
6 Noche tranquila y serena
7 El son del repique
8 Número 9
9 De trilla
10 Bella y pagana

320 KBPS+COVERS

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OTRO LINK

DD Synthesis 4Cd´s


Nunca mejor escogido el nombre de este grupo. Porque su principal objetivo es llevar a cabo una verdadera "synthesis" musical combinando los sonidos tradicionales con arreglos contemporáneos. Además, sus miembros se han preocupado por investigar los tesoros musicales de su país, en profundizar sobre las raíces de la música folk, en mantener vigente las composiciones tradicionales dándoles un soplo de aire fresco acorde a nuestros tiempos.
DD Synthesis se fundó en 1995 en Macedonia. La mayoría de sus miembros provienen de diferentes agrupaciones e instituciones académicas, todos ellos con una interesante formación y un amplio conocimiento de los instrumentos tradicionales del país balcánico. El grupo trabaja con la totalidad de estos instrumentos: zurla, tapan, gaida, kaval, tarabuka y la tamburas.
Sus tres cantantes femeninas (Biljana Ristovska, Mirjana Josheska y Aneta Shulankovska) dominan a la perfección tradición vocal macedonia. Durante más de una década han interpretado canto tradicional y antes de unirse a DD Synthesis formaron parte de la Mile Kolarovski Band. La línea de instrumentos está compuesta por un tecladista (Vane Jovchev), dos percusionistas (Goce Uzunski y Radoslav Shutevski), un virtuoso de la tambura (Marjan Jovanovski, muy conocido en su país) y el multiinstrumentista Goce Dimovski, especialista en el kaval, la gaida y la zurla. Una de las características de la agrupación es su formación profesional, ya que muchos de los grupos de música folk surgidos de Macedonia son aficionados.
DD Synthesis grabó su primer CD en 1996 y salió a la venta a principios del siguiente año. Editado por SJF Records (una división del Skopje Jazz Festival), este trabajo recibió excelentes críticas de medios especializados. Parte de este disco fue escogido para integrar el compilado Unbloked - The Music Of Eastern Europe, publicado por el sello americano Ellypsis Arts.
Durante 1997 y 1998 el grupo participó en numerosos festivales europeos: Druga Godba (Eslovenia), Folk Festival de Budapest, Festival de Krems (Austria), Dionysia Festival de Roma (Italia), Tanz & FolkFest de Rudoldstad (Alemania) y Akko Festival de Israel, entre otros eventos masivos y actuaciones en su propio país. En el '99 sorprendió la llegada del grupo de Japón. Durante toda esta gira el público quedó impresionado con su propuesta musical.
En "Swinging Macedonia" (2000), grabado casi en su totalidad en Ljubljana, la capital eslovena, se dieron el lujo de sumar una Orquesta Sinfónica en dos canciones. La agrupación presentó este trabajo en el festival Druga Godba, en Ljubljana, en donde actuaron junto a su colega Goran Bregovic.





DD Synthesis 



1 Goten
2 Dve Devojki
3 Selska Igra
4 Kletva
5 Ajde Pominuvam Zaminuvam
6 Ljubov I Smrt
7 Chuma
8 Vreminja

| MC

Swinging Macedonia 



1 Mome Stoe 5:48
2 Vo Nase Selo 7:29
3 Postupano 7:05
4 Sto E Ludo 1:59
5 Pomnis Li 7:25
6 Me Fatije 5:57
7 Mori Mome 5:51
8 Mace 2:52
9 Ezgija 3:23
10 Imala Majka 10:06 

| MC

Live In Skopje 



1 Čudno Mi 7:02
2 Mori Mome 6:17
3 Postupano 7:11
4 Pomniš Li 7:51
5 Ritmika 9:26
6 Me Fatije 6:15
7 Mome Štoe 6:06
8 Gočeva 3:48
9 Vo Naše Selo 7:56
 10 O, Javore 5:47 

| MC

Let God Smite Him 



1 Pomolila Boga Maca
2 9-ka
3 De Bog Da Bie
4 Star Bel Dedo
5 Ori Anche
6 Kaljo
7 Goceva 2
8 Oj devojche

| MC |





Publicado por Zarambutano

martes, 19 de febrero de 2013

Ron Allen & One Sky - Tao Music For Relaxation


Inspirado en los principios taoístas suave en la simplicidad y el equilibrio, estos sonidos suaves invitan a la reflexión, la meditación y la relajación con cada nota. La instrumentación incluye tabla, dilruba, erhu, ocean drum,, bajo fretlass, guitarra, percusión y voces.


    Bass [Fretless] – Steve Payne
    Chalumeau [Xaphoon] – Ron Allen
    Dilruba – George Koller
    Drums – Gurpreet Chana
    Erhu – George Gao
    Flute [Bamboo] – Ron Allen
    Guitar – Rob Carrol
    Keyboards – Ron Allen
    Mixed By – Ron Allen, Steve Payne
    Percussion – Kevan McKenzie, Ron Allen
    Piano – Ron Allen
    Tabla – Gurpreet Chana
    Vocals – Shannon Kingsbury




01 Tao 05:11
02 Earth 02:05
03 Sky 07:00
04 Kindness 06:38
05 Wisdom 09:32
06 Reason 02:32
07 Eternal 08:48
08 Sage 06:01
09 Be 05:14
10 Harmony 05:45

Tao Music For Relaxation

lunes, 18 de febrero de 2013

Mariza - Fado em Mim (2002)



Mariza es el nombre artístico de Marisa dos Reis Nunes (Maputo, Mozambique, 16 de diciembre de 1973), cantante de fados, una de las más populares de Portugal y una de las artistas lusas con más proyección internacional.
De padre portugués y madre mozambiqueña, Mariza nació en la freguesia de Nossa Senhora da Conceição en la antigua Lourenço Marques (en la actualidad Maputo), en aquella época capital de la provincia portuguesa de Mozambique y creció en el barrio lisboeta de la Mouraria, cuna del fado. Creció escuchando esta música en los diferentes locales lisboetas; cuando creció sus intereses musicales se ampliaron hacia el gospel, el r&b y la música brasileña. Mariza vivió unos cuantos años en Brasil; por entonces su interés por el fado era nulo, ella, al igual que la mayoría de jóvenes portugueses, detestaba el fado, al asociarlo con la dictadura de Salazar. Sin embargo, se dio cuenta en Brasil de que el fado formaba parte de su cultura, cuando la gente allí le pedía que les cantara fado.+INFO


CD1

  1. "Loucura" (Julio Campos Souza/Joaqum Frederico de Brita) — 3:28 
  2. "Poetas"(Florbela Espanca/Tiago Machado) — 3:25 
  3. "Chuva" (Jorge Fernando) — 4:04 
  4. "Maria Lisboa" (David Mourao-Ferriera/Alain Oulman) — 2:42 
  5. "Ó Gente da Minha Terra" (Amalia Rodrigues/Tiago Machado) — 4:02 
  6. "Que Deus Me Perdoe" (Silva Tavares/Frederico Valerio) — 3:36 
  7. "Há Festa Na Mouraria" (A.Amargo/A.Duarte) — 3:14 
  8. "Terra D'Água" (Jorge Fernando) — 2:29 
  9. "Oiça Lá Ó Senhor Vinho" (Mariza) — 2:58 
  10. "Por Ti! " (J.Luis Gordo/Fado Tango (traditional)) — 3:29 
  11. "Oxalá" (Jorge Fernando) — 2:26 "Barco Negro
  12. " (Caco Velho-Piratini/David Mourao-Ferreira) — 4:00 
  13. Hidden Track (piano rendition of "Ó Gente da Minha Terra") — 5:53 
CD2 - Live at the WOMAD 2002

  1. "Loucura" – 4:23 
  2. "Maria Lisboa" – 2:48 
  3. "Barco Negro" – 4:52 
  4. "Variações Sobre Armandinho" – 3:57 
  5. "Primavera" – 5:14 
  6. "Há Festa Na Mouraria" – 2:55
  7. "Oiça Lá Ó Senhor Vinho" – 3:27
  8. "Estranha Forma de Vida" – 5:06


|MC|

domingo, 17 de febrero de 2013

Maria Bethânia-Oásis de Bethânia




Maria Bethânia Vianna Teles Veloso (Santo Amaro da Purificação, Bahia, Brasil, 18 de junio de 1946) es una cantante brasileña, hermana del compositor y cantante Caetano Veloso, conocida por el singular color de su potente voz de contralto y la intensidad de sus interpretaciones.
Una leyenda viva, Bethânia es una de las más consagradas intérpretes de la música popular brasileña. Sin embargo su obra, ubicada en la frontera entre la música, la literatura y el arte dramático, tiene relativamente poca repercusión fuera del mundo lusófono, estando compuesta principalmente de elementos y referencias muy propios de Brasil y más específicamente de su región natal, Bahia.
Entre sus temas más emblemáticos se encuentran "Explode Coração", "Olhos nos Olhos", "Anos Dourados", "Negue" y "Carcará", además de éxitos recientes como "Beira Mar". En sus conciertos, Bethânia suele recitar poemas en portugués entre canciones, tanto de grandes autores brasileños como portugueses. El sincretismo religioso afro-brasileño, el drama y la pasión y las aguas de Brasil son temáticas muy frecuentes en sus álbumes. Entre los compositores cuyos versos fueron consagrados en la voz de Bethânia con mayor éxito se encuentran Chico Buarque, Tom Jobim, Caetano Veloso, Vinícius de Moraes, Roberto Carlos y Adriana Calcanhotto.
El nuevo álbum está formado por 10 versiones, firmadas por grandes compositores, a las cuales invitados especialísimos u otros músicos, han tratado con unos arreglos personalizados.
Incluye, por ejemplo la participación de Djavan que firma también los arreglos del tema Vive del cual es también autor, amén de participar con su inigualable guitarra; y también la de otros músicos de igual calibre como Lenine, Hamilton de Holanda, Jorge Helder, Jaime Além, Maurício Carrilho, Marcelo Costa y André Mehmari que también aportan la sofisticación de sus arreglos, que mezclados con la inigualable voz de Bethânia, componen un sorprendente y fantástico sonido en este nuevo trabajo.
El repertorio contiene temas como Barulho (Roque Ferreira, 2007), Calúnia (Marino Pinto y Paulo Soledade, éxito de la cantante Dalva de Oliveira en 1951), Carta de Amor (Paulo César Pinheiro, canción que contiene texto escrito por la propia Maria Bethânia), O Velho Francisco (Chico Buarque, 1987), Calmaria (Jota Velloso) o la comentada Vive (canción inédita de Djavan), entre otras.
El álbum habla de amor y de rebelión: "El amor es ya una protesta", concluye Maria Bethânia.

http://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Beth%C3%A2niahttp://www.mariabethania.com.br/





1 – Lágrima (Candido das Neves)
2 – O Velho Francisco (Chico Buarque)
3 - Vive (Djavan) - Inédita
4 - Casablanca (Roque Ferreira) Inédita
5 - Calmaria (Jota Velloso) - Inédita
*Citação: Não Sei Quantas Almas Tenho (Bernardo Soares) Edição Fauzi Arap
6 - Fado (Roque Ferreira) - Inédita
7 - Barulho (Roque Ferreira)
8 – Calúnia (Marino Pinto / Paulo Soledane)
* Citação: Lágrima (Sebastião Nunes / Garcia Jr. / Jackson do Pandeiro)
9 - Carta de amor (música e letra: Paulo Cesar Pinheiro) - Inédita
* Texto: Maria Bethânia
10 – Salmo (Rafael Rabelo e Paulo C


|MC|

sábado, 16 de febrero de 2013

Kiyoshi Yoshida feat Yukihiko Mitsuka - Warriors [Japon]


En la tradición japonesa, el bushido  es un término traducido como "el camino del guerrero".
Es un código ético estricto y particular al que muchos samuráis entregaban sus vidas, que exigía lealtad y honor hasta la muerte. Si un samurái fallaba en mantener su honor, podía recobrarlo practicando el seppuku (suicidio ritual). Se dice que desde pequeño, el bushido era inculcado a los japoneses de la clase dirigente incluso antes de despegarse del pecho de la madre.
Wikipedia..

El Compositor y Productor Kiyoshi Yoshida estudió en el Berklee College of Music, y se ha hecho conocido por su combinación de elementos orientales y occidentales en albums diversas bandas sonoras de cine y televisión y desfiles de moda. En este disco, colabora con el maestro de shakuhachi Yukihiko Mitsuka, miembro del grupo Tone.
El sonido del Shakuhachi inunda con sensaciones de vitalidad que representan la voluntad tenaz y fuerte de los Guerreros samurái.



01 Warriors
02 Moment
03 Brilliance of Edo
04 Collage 1 Bush Warbler
05 Frontier
06 Blinking Out
07 The Sword
08 Collage 2 The Aftermath
09 Like the Wind
10 Zen
11 Kabuto
12 Five Stars

Warriors

Te Vaka 3 cd´s [RESUBIDOS]

En términos de músicas del mundo, Aotearoa (Nueva Zelanda) se
suele identificar con la cultura maorí. Pero allí también conviven
muchos otros pueblos procedentes de varias naciones del Pacífico,
especialmente en Auckland, que es ya desde hace tiempo la mayor ciudad
polinesia del mundo. Te Vaka es la banda con mayor éxito mundial que toca música del Pacífico
contemporánea original, y la han estado presentando de forma enérgica
en los escenarios de todo el mundo desde su formación en 1995

El fundador del grupo es Opetaia Foa'i, nacido en Samoa Occidental. Sin embargo, su padre era del archipiélago de Tokelau y su madre de Tuvalú, así que él creció en una comunidad con elementos predominantes de Tokelau. Por esta razón, el tokelaués es
su lengua principal y en la que compone todas las canciones de Te Vaka.
Aun así, entre los once miembros del grupo encontramos a personas de
todo el Pacífico (siete pertenecen a la extensa familia Foa'i) e
incluso hay un palangi, un neozelandés de ascendencia europea. Así que Te Vaka crea un sonido verdaderamente panpacífico.

Opetaia
dice que su primer instrumento fue el suelo, que usaría como
instrumento de percusión durante sesiones musicales nocturnas en las
reuniones familiares de su niñez. Propulsados por la ambición de Julie,
la esposa de Opetaia, que se ha convertido en la mánager del grupo, han
producido hasta el momento tres álbumes muy elogiados. Aunque incluyen
programación, guitarras y esencias de rock, pop, funk y soul, la música
de Te Vaka se basa en los ritmos del Pacífico gracias al uso del pate
(tambores con un solo tronco o con tronco doble) y del pa’u (congas y
bombos indígenas de piel de cabra).



Como
destaca Julie, sus raíces son profundas: «Las influencias tradicionales
que inspiran a Te Vaka son todas anteriores a la evangelización, por
ejemplo las antiguas danzas fatele, donde el foco está en los ritmos y
los cantos, y hay mucho entusiasmo y energía tribal». Los cuatro
bailarines del grupo aportan una vibración emocionante a las
actuaciones en vivo de Te Vaka y renuevan sus propias coreografías
inspirándose en influencias de todo el Pacífico.

Su música
también tiene una vertiente seria, tal y como muestran las traducciones
de las letras de Opetaia que aparecen en la carátula de sus discos.
«Estamos muy preocupados por la situación del nivel del mar y por lo
que podría ocurrirles a las culturas y lenguas únicas de archipiélagos
como los de Tokelau y Tuvalú en el caso de que la población se viera
obligada a reasentarse», declara Julie. «Estamos intentando concienciar
a la gente sobre esta situación a través de la música, e intentamos
ayudar a preservar la lengua y la cultura transportándolas al mundo
moderno.» Información












|MC|

miércoles, 13 de febrero de 2013

Kebnekajse - Aventure (2012)




Kebnekaise fue una grupo sueco que surgió a raiz de la disolución de Baby Grandmothers, el grupo que encabezaba el guitarrista Kenny Håkansson y que nació tras la disolución de una de las formaciones de beat más famosasd de los sesenta en Suecia, T-Bones.El nombre de la banda proviene de la montaña más alta de Suecia, algo habitual en gran parte de los grupos suecos, tener alguna referencia a la naturaleza de su país, ya sea nombre, portada, temas, ...Su primer disco, Resa Mot Okänt Mål, data de 1971 y en él las influencias de la psicodelia de Baby Grandmothers están todavía muy presentes pero a partir del siguiente trabajo el factor folk va a ir tomando más importancia en la música del grupo, yendo este de los temas tradicionales de su país a la música africana.
Su carrera finalizó en 1978 aunque posteriormente y ya en 2001 volvieron a la actividad. Aventure, su nuevo trabajo, estará compuesto por nueve temas de folk-rock-psicodelia y se convertirá en (sólo) el noveno disco de este grupo desde sus comienzos, en 1971 y el tercero desde su retorno en 2001. Su anterior disco, Idioten, fue nominado al "grammy" sueco en 2012 en la categoría "Mejor rock". Entre sus miembros sigue Kenny Håkansson, mítico guitarrista que ha colaborado en bandas como T-Boones, Baby Grandmothers, Mecki Mark Men y Dag Vag. Este nuevo disco ha sido grabado en los legendarios estudios Silence en Värmland, Koppom, con otro ilustre personaje del mundo musical "progg" sueco Anders Lind en los controles, a comienzos de este verano pasado. La música del disco es parte compuesta y parte tradicional, cinco nuevos descubrimientos del folk sueco y cuatro compuestos por el grupo y lo edita Subliminal Sounds, un sello dedicado a la psicodelia y a rescatar discos "perdidos" de la música sueca.

1 Snickar-Anders 4:53
2 Vallåt efter Britta Jansson 3:10
3 Spelmannen 5:23
4 Aventure 8:14
5 Svartbergstrollen 4:03
6 Vallåt efter Måns Olsson 4:01
7 Midsommarnattsdröm 4:06
8 Tikli ja tiira 4:08
9 Battery 6:20






|MC|UP|

martes, 12 de febrero de 2013

Özgür Çelik - Öznağme

Subido por Marhali.

Öznağme (2012) es el título del primer trabajo en solitario de Özgür Çelik, en el que despliega su virtuosismo con el tarbağ, cüudi, basname y kabak kemane, sirviéndose de hermosas composiciones para contar una historia de cada uno de estos instrumentos musicales.

Detrás de la historia de Öznağme está toda una trayectoria vital de un joven ligado a la música desde la más tierna infancia. Özgür Çelik, nacido en Uşak en 1979 en el seno de una familia de artesanos instrumentistas, empezó a tomar sus primeras lecciones musicales de la mano de su padre y hermanos con el bağlama. Durante el bachillerato, a la misma vez que alcanza un excelente nivel en el dominio del bağlama, se interesa por los kabak kemanes que su padre construye, instrumentos en los que se especializa en el resto de su vida musical. Es en el año 1997, al entrar en el Aegean University Government Turkish Music Conservatory, cuando comienza su vida musical profesional. En el mismo año entra en Radio İzmir como intérprete de kabak kemane, y durante los años de Conservatorio acompaña a grupos folklóricos, trabajando con importantes solistas de T.R.T İzmir Radio.

Özgür Çelik ha participado en multitud de festivales de música y danza dentro y fuera de Turquía, obteniendo el primer premio en el Concurso de Instrumentos Musicales Folklóricos celebrado en Polonia en 2000. Al mismo tiempo, ha intervenido en álbumnes de artistas folk de Turquía (Hüseyin Turan, Kubat, Onur Şan, Makbule Kaya, Ali Çakar...). A partir del año 2001, Özgür Çelik ha continuado su vida musical como miembro del grupo Mecaz, con quienes realizó Yalelli (2004) y Derun (2009).

Çelik, que ejerce como profesor en el Aegean University Government Turkish Music Conservatory desde 2002, actualmente hace música con los instrumentos que su padre creó: tarbağ, cüudi, basname y kabak kemane. Su virtuosismo como multiinstrumentista y compositor lo podemos disfrutar, precisamente, en su primer álbum como solista, Öznağme. Un trabajo que es su propia historia, la historia de sus instrumentos y, sobre todo, un viaje musical a través de la historia de sus composiciones.

01. Asya
02. Gün
03. Neden
04. Tutam Yar Elinden Tutam
05. Su
06. Babam
07. Elifoğlu Zeybeği – Suskun
08. Kimsesiz
09. Göç
10. İsimsiz
11. Öznağme
Öznağme

sábado, 9 de febrero de 2013

Joe Hisaishi - Ano natsu, Ichiban shizukana umi (A Scene at the Sea) [Japon]


ACTUALIZADO!!
Mención especial merece esta banda sonora, que fue compuesta por Joe Hisaishi, creando así la primera composición para Kitano, en una buena muestra de lo que, a posteriori, compondría para las otras películas del director.


Igual que en Sonatine (1993), Kids Return (1996) o Kikujiro no natsu (1999), la música está repartida en un conjunto de melodías que se van repitiendo a lo largo del filme. Si bien los efectos de sonido son casi inapreciables, la banda sonora desempeña un papel muy importante en el transcurso del filme, hasta su esplendor final en el desenlace de la historia. La música ayuda a los dos sordomudos a crear su mundo de silencio: como si ellos mismo fueran los artífices de la música.
http://ceo.upc.es/cine/scene/scene1.htm
http://www.joehisaishi.com/



Lista de temas:
1. Silent Love (Main Theme)
2. Cliffside Waltz I
3. Island Song
4. Silent Love (In Search Of Something)
5. Bus Stop
6. While At Work
7. Cliffside Waltz II
8. Solitude
9. Melody Of Love
10. Silent Love (Forever)
11. Alone
12. Next Is My Turn
13. Wave Cruising
14. Cliffside Waltz II


Mariem Hassan – El Aaiún Egdat

Subido por Marhali.

La "Primavera Árabe" y la persistente lucha del pueblo saharaui por la independencia marcan la temática de las nuevas canciones de Mariem Hassan. Su música mantiene firme sus bases en el haul, se abre al blues, al jazz y a sonidos contemporáneos como nunca lo había hecho una artista saharaui.

Una canción infantil, "Arfa", da comienzo a El Aaiún Egdat (Arde El Aaiún, 2012), un álbum intenso y sorprendente, grabado por Hugo Westerdahl y producido por Manuel Domínguez para Nubenegra. Catorce piezas que ha grabado Mariem Hassan con su voz punzante y sobrecogedora. Las nuevas composiciones vienen reforzadas por la "Primavera Árabe", vientos de un pueblo que se levanta contra gobernantes tiranos, un punto de inflexión en la historia de los países árabes que sigue su curso imparable.

Nuevamente, la cantante y poetisa canta letras rotundas, combativas y comprometidas, en esta ocasión de poetas saharauis exiliados como Bachir Ali, Beibuh o Lamin Allal. Le acompañan Vadiya Mint El Hanevi (tebal y coros), Luís Giménez (guitarra eléctrica, mbira y armónica), Hugo Westerdahl (bajo) y Gabriel Flores (saxo, flautas y arpa de boca vietnamita). Artistas unidos por su amor y profundo conocimiento de la música saharaui.

El Aaiún Egdat es, ante todo, una obra muy abierta, tanto en su temática como en su expresión. La voz de Mariem suena como un grito trágico lleno de esperanza por un futuro mejor que sale desde lo más profundo de un cuerpo en lucha, indomable e inasequible al desaliento, como su maltratado pueblo. Su felicidad y su lamento están arropados de las cadencias de la música haul renovada con la tensión rítmica que da el tebal, estando más presente que nunca el blues del desierto en las guitarras, el bajo y el saxo.

Mariem, de nuevo, comprometida y genial.

01. Arfa
02. Arrabi al Arabe (Primavera Árabe)
03. Rahy El Aaiún egdat (Arde El Aaiún)
04. Ana saharauia (Soy saharaui)
05. Addumua (Lágrimas)
06. Gdeim Izik
07. Tarham ya Allah shuhada (Descansen en paz)
08. Eftaht almayal (Abriendo caminos)
09. Aulad Sahara (Hijos del Sáhara)
10. Alamalhfa (La melfa)
11. Legneiba
12. Yalli mashi ani (Tu abandono)
13. Annasr shouru tetnada (La victoria nos llama)
14. Siyant laydad (El legado)

miércoles, 6 de febrero de 2013

Tcheka - Lonji

Subido por Marhali.

Lonji (2007) es el tercer disco de Tcheka, un hermoso disco que cuenta con la producción de la estrella brasileña Lenine, donde incorpora elementos electrónicos y sonidos ambient junto con percusiones caboverdianas, afrobrasileñas y del oeste de África.

Tcheka (Manuel Lopes Andrade) pertenece a esa prolífica nueva generación de artistas de Cabo Verde que han sabido incorporar las formas tradicionales de la música caboverdiana (morna, coladeira y funaná) en un sonido fresco que, al mismo tiempo que se mantiene fiel a la tradición, es contemporáneo e innovador.

Lonji ("A lo lejos") cuenta con la estrella brasileña del rock acústico Lenine como productor, y con el buen hacer de su compatriota Hernani Almeida a la guitarra acústica. Tcheka se mantiene fiel a las ricas cuerdas acústicas y a los ritmos africano-criollos, al tiempo que incorpora más elementos electrónicos que aportan una nueva sensibilidad. La percusión también está muy presente, en este caso una inusual colisión de percusiones de caboverdianas, afrobrasileñas y del oeste de Africa, que son a ratos dulces y juguetonas, o bien estruendosas y enérgicas. Tcheka narra historias vecinales en las que afloran viejas tradiciones sociales, supersticiones, refranes y recuerdos infantiles. Una especie de catálogo antropológico que reivindica la cultura criolla de Cabo Verde.

Y por encima de todo, el vivo lirismo de la voz de Tcheka, una delicia, pura suavidad y vulnerabilidad.

01. Da-m bu mon
02. Ana Maria
03. Tadja korbu
04. Lonji
05. Tuti santiagu
06. Sabu
07. Primeru bes kin ba cinema
08. Telemóvel
09. Fla mantenha
10. Língua pretu
11. Árgui
12. Sisterna
13. Tenpul nona negul pinha
14. Tété landin
Lonji

martes, 5 de febrero de 2013

Fanga & Maalem Abdallah Guinea - Fangnawa Experience




Here's an unexpected collaboration linking a French-based Afrobeat band with a Moroccan maâlem, a master of gnawa – the religious trance music of the descendants of African slaves transported across the Sahara to North Africa. Fanga and Abdallah Guinéa first played together in France last year, and discovered how much they have in common; their lengthy songs are dominated by a hypnotic blend of rhythm and groove, in a fusion in which Afrobeat funk and jazz is combined with gnawa. There are times where the Afrobeat dominates, but it's always driven on by delicate and insistant percussion, while other songs start with gnawa call-and-response vocals and the gimbri lute, before the brass and keyboards join in. The finale Wouarri begins with a simple insistent bass riff, and builds to a furious, exhilarating climax involving wild chanting, and wailing brass and guitar. Play it very loud.



1 Noble Tree
2 Gnawi
3 Kelen
4 Kononi
5 Kononi
6 Wouarri


|MC|UP|

Cheb i Sabbah – La Kahena

Subido por Marhali.

La Kahena es uno de los álbumes más celebrados del artista y DJ argelino Cheb i Sabbah que supuso un giro hacia sus raíces norteafricanas (árabe, judía y bereber – amazigh-), ilustrando de forma magistral la enorme diversidad cultural del Norte de África.

Cheb i Sabbah (o DJ Cheb i Sabbah), es el nombre artístico de Haim Serge El Baz, judío de ascendencia bereber (amazigh) de Constantine, Argelia, donde nació. Habiéndose trasladado a París en la decada de 1960 y estableciéndose en San Francisco posteriormente, se convirtió en DJ casi por casualidad. Fue en su búsqueda de caminos donde encontrar ritmos para las pistas de baile cuando se atrevió a mezclar las músicas africana, asiática y árabe, en un contexto en el que las llamadas "músicas del mundo" comenzaban a tener una difusión más amplia, fuera de los ámbitos y medios especializados.

Habiendo editado cuatro CDs con estupendas adaptaciones de músicos tradicionales y de formación clásica a los nuevos sonidos de las pistas de baile, decide volver a su tierra natal y recoger nuevos materiales originales para su proyecto más ambicioso y original, La Kahena (2005).

Grabado en Marrakesh, San Francisco, Nueva York y Nueva Delhi, con aportaciones de músicos de fusión como Bill Laswell, Richard Horowitz, Karsh Kale o Mercan Dede, en los ocho temas participan grandes artistas del Magreb de procedencias diversas: Cheba Zahouania, B´Net Marrakech ("Las chicas de Marraquech"), Brahim Elbelkani, Ouled Ben Aguida, Khadija Othmani, Michal Cohen y Nadia. Cheb i Sabbah añade su propia "ciencia de DJ" haciendo del mismo un proyecto absolutamente original e innovador. Una genial mezcla de ritmos vocales y persuasivos del Magreb.

Recientemente, en 2012, se ha editado Samaya: A Benefit Album for Cheb I Sabbah, en el que participan grandes artistas de la música global (Kailash Kher, Natacha Atlas, Karsh Kale, Transglobal Underground, Mercan Dede, Azam Ali & Loga Ramin Torkian...) aportando temas y remixes exclusivos para recaudar fondos y ayudar a Cheb i Sabbah en su lucha contra el cáncer. Se puede conseguir en Amazon y en Amazon España

01. esh 'dani, alash mshit: why did i follow him?
02. Sadats: saints of marrakesh
03. toura toura
04. I - alla al 'hbab: blessed be my friends II - hajti fi gurini: longing for my lover
05. madh assalhin: praising of the saints
06. I - alkher illa doffor: peace is found behind wounds II - ad izayanugass: what will happen will happen
07. im ninalou: if the doors are locked
08. jarat fil hub: love's chalice
La Kahena

sábado, 2 de febrero de 2013

Michalis Nikoloudis - Aiolia [Grecia]


Aiolia es la isla de Eolo, dios del viento.
Aiolia de Mihalis Nikoloudis es una colección de trece canciones fuertemente influenciadas o basadas en la música tradicional griega. hay influencias de la música cretense, así como música de otras áreas de Grecia como Épiro y Macedonia.
Mihalis Nikoloudis dice: "Aiolia nació en Grecia, es el cruce de caminos, donde los vientos soplan todo el tiempo y los sonidos se crean con la luz griega.
La voz de Vasilis Skoulas, famoso cantante y actor cretense, ofrece su robusta voz en 2 canciones. Sofía Tserou es la intérprete de la canción 12 y su voz dulce se adapta perfectamente a ella, Omar Faruk Tekbilek también participa en este CD.
http://www.explorecrete.com/reviews/cd/aiolia.html



Tracklist
1. Armenistis (6:41)
2. Zeimpekiko Tis Rodaygis (3:01)
3. O Topos (4:29)
4. Bolissos (2:28)
5. Melina (5:45)
6. Laskada (3:26)
7. Tsamiko (4:38)
8. O Ilios Theos (3:01)
9. O Xoros Tis Aretousas (2:50)
10. Kane The' Mou Na Fanei (5:26)
11. Aytosxediasmos (2:50)
12. Erwtiko (ela Pare Me) (3:21)
13. H Pthsh (7:07)

 Aiolia

viernes, 1 de febrero de 2013

Kan - Sleeper



KAN is made up of Flook’s extraordinary virtuoso flutist Brian Finnegan from Armagh (N. Ireland), Lau’s deft and forward thinking fiddle player Aidan O’Rourke from Isle of Seil (Scotland), James Goodwin on percussion from Harrogate and guitarist Ian Stephenson of Selby in Yorkshire. If that’s not impressive then just look at SOME of those they have performed and recorded with: Kate Rusby, Cara Dillon, BBC Philharmonic, Blazin’ Fiddles, Liverpool Philharmonic, Kathryn Tickell, Northern Sinfonia, Wayne Shorter, Eddi Reader, Justin Currie, Roddy Woomble, Baltic Crossing, Adem, Sting, OMD , Jack Bruce, Bella Hardy, Nitin Sawhney, Katherine Jenkins, Jan Garbareck, Karine Polwart, Trilok Gurtu and on it goes.
That list above covers names synonymous with both folk and jazz which is reflected in the great cross-fertilisation taking place on this album. All band members are known for their diversification and for forging new sound. They have all worked togather before and from those collaborations a seed of an idea was born back in 2010, a genesis that the band’s name aptly reflects. Kan is derived from a Mayan word meaning ‘Yellow Seed’. Also, the Tzolkin is the sacred moon calendar of the Mayan people that connects the energy of heaven and earth, and 2010 was the year of Kan, a year according to the Mayan oracle to be a time for new beginnings, for planting the seed of some intention, project or dream, for taking a risk.
Whilst the Mayan gods may have favoured a care-free abandonement to their approach, KAN take a more considered route with their music. There is subtlety, grace and intricate finery in their arrangements the backbone of which is steeped in the Irish and Scottish tradtions of Brian and Aidan’s musical roots. But this is no ordinary traditional album, whilst it draws inspiration from the shores of the British Isles it has a pan-global undertone thanks to the broad experiences of each artist which has shaped their interpretations giving them that unique KAN sound.
The album opens to ‘Lori / One, Two, Three‘, a beautiful opening track, comprising of a tune that Aidan dedicated to border fiddle player Lori Watson followed by ‘One, Two, Three‘ which is based around three simple chords. More direct and personal influences take shape throughout the album including the very chilled Modul 1 with Ian taking inspiration from avant garde jazz pianist Nik Bartsch and on Mangatakk which features a tune (Emotional Storm) from Israeli double bass player Avishai Cohen.
Arrangements unfold in unexpected directions which gives this album a fresh and exciting sound, interlaced between melodies and flourishes are the whispers of a jazz inflected influence which bubble to the surface and submerge again. Each artist takes to the fore throughout delivering their promise of an homogenous quartet.
Brian and Aidan showed their colours when they released solo albums that forged new ground with ‘The Ravishing Genius Of Bones’ (2010) and ‘An Tobar’ (2008). IN this respect, Sleeper is maybe an album that would have happened sooner or later but the standard they have set here goes beyond expectations. KAN are one of those bands that are at the forefront of moulding and re-defining tradtional music along with the likes of The Gloaming, if this is the standard then the tradtional music scene has rewarding times ahead!

1 One Two Three: Lori / One, Two, Three 7:19
2 Mangatakk: Emotional Storm / Mangatakk / Breton Ridée 6:39
3 Marcos: Marcos Llope / The Oblique Jig / Hayden's Rock 6:35
4 Noble?: You Can Call Me Big Al / Noble? 6:03
5 Eva 5:58
6 Rangoon: The Slide From Grace / The Queen of Rangoon 5:42
7 Modul1: Modul1 / Coyoacan 8:31
8 Coriolis: Coriolis / Hold Up the Sky 6:50




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