3 Mustaphas 3 es una banda británica de World Music formada en 1986.En su música tintan influencias balcánicas,country, rock, cajun, klezmer, música japonesa, turca, india y mexicana.Los Miembros principales son :Ben Mandelson (bajo el nombre de Mustapha Hijaz), Tim Fienburgh 1954-2008 (bajo el nombre de Niaveti III) Colin Bass (bajo el nombre de Sabah Habas Mustapha), y el bateria Houzam Mustapha,alrededor de los cuales hay muchos otros Mustaphas - todos los supuestos ,a los sobrinos del Tío Patrel Mustapha. Afirman que proceden de los Balcanes,reproducen música de casi todos los continentes, y su eslogan, "Adelante en todos los sentidos!", Es una expresión de esta diversidad musical. Activa a finales de la década de 1980 y comienzo de la década de 1990, que ya han dejado de producir y realizar, pero no se han disuelto oficialmente.
1.Awara Hoon 2.Trois Fois Trois 3.Sitna Lisa 4.Mama O 5.Ovcepolsko Oro 6.Kem Kem 7.VI Bist du Geveyzn Far Prohibish'n? 8.Kaba Mustapha / Valle E Gajdes 9.Trois Fois Trois 10.Yeni Yol 11.Taxi Driver 12.Benga Taxi 13.Aj Zajdi Zajdi Jasno Sonce 14.Anapse to Tsigaro
Rüdiger Oppermann nacido en 1954 es un arpista alemán y músico experimental. Se especializa en el arpa celta, que comenzó a tocar en 1973. Su instrumento, un clarsach hecho a medida, cuenta con 38 doradas cuerdas de bronce y un mecanismo especial que le permite doblar las notas de una manera similar a los músicos de blues, un estilo que a menudo adopta en sus improvisaciones. Él también ha desarrollado instrumentos electroacústicos.
Un músico itinerante dedicado a la exploración de todas las culturas musicales, Oppermann ha colaborado con músicos populares de todo el mundo (especialmente en África y Asia), que a menudo invita a tocar en su festival de música Klangwelten en Alemania, está a favor de un enfoque experimental en las melodías tradicionales, a menudo relacionados con la improvisación, la instrumentación inusual y a veces hasta la electrónica, incluidos los efectos digitales. Él ha escrito e interpretado música para teatro y danza producciones pequeñas combos de jazz, además de grupos de música folk.
Un músico con una visión artística amplia y ecléctica, ha dedicado sus composiciones para artistas tan diversos como los místicos medievales como Rumi y Hildegard von Bingen, arpistas compañeros tales como Alan Stivell y Deborah Conant, y hoy en día improvisadores de jazz rock y guitarra eléctrica. Las grabaciones de Oppermann por lo general cuentan con algunas actuaciones en solitario y la conexión del arpa celta junto a piezas de músicos populares de todo el mundo (tocando instrumentos tradicionales).
Rudiger Oppermann podría ser descrito como un músico popular de estilo libre y experimental, que se basa en las dos músicas antiguas y modernas y en las tradiciones musicales, para crear un crisol de culturas musicales que no pueden ser atribuidas a cualquier tradición popular. En las notas del album Unchain my Harp (1994), él mismo describe como la búsqueda de la creación de" nuevos brotes en los árboles viejos, con raíces fuertes. http://en.wikipedia.org/wiki/R%C3%BCdiger_Oppermann http://www.klangwelten.com/
Jatinder Thakur: Tablas (Indian/Austria) Rainer Granzin: Piano, Synthesizer Lars Lindvall: Trumpet (Sweden) Bernd Dittl: Accordion Carlos Pusseto: Percussion Peter Götzmann: Drums Tunji Beier: Percussion Jorgen Lang: Guitar, Low-Whistle Epi Enkh Jargal: Playing Morin Khoor and throat singing
1. Fragile Balance 2. Riding A Horse With Five Legs 3. Wide Horizons 4. Fast Finger Dance 5. Wintertime/Summertime 6. Roses For Rumi 7. Pretty Cool Harmonics! 8. On A Mirror 9. Great Eagle Dance
El primer disco en solitario de Sílvia Pérez Cruz, 11 de novembre (2012), no es un disco de flamenco, ni de folk ni de jazz, aunque se alimenta de estas y otras músicas para construir algo único, repleto de emoción y cariño por cada una de sus canciones. Bellísimo.
Tras destacar al frente del grupo femenino Las Migas, con las que trabajó durante más de seis años y publicó el aclamado debut Reinas del matute (2010), abandonó el grupo hace tres años para dedicarse a la composición, producción y grabación de este primer disco en solitario. Por entonces ya se había aventurado en un amplio número de proyectos musicales, desarrollando de manera paralela trabajos diversos y sorprendentes, proyectos siempre con buena receptividad del público y aclamada por la crítica especializada de manera unánime. Tal vez el proyecto musical más poderoso lo ha firmado junto a Javier Colina Trío, En la imaginación (2011), donde hacían una revisión de clásicos de la música cubana arropada por Marc Miralta a la batería y Albert Sanz al piano.
Pese a que Pérez Cruz llevaba tiempo escribiendo sus propias canciones, tuvo que llegar un hecho dramático a su vida para hacerle ver que tenía que emprender su camino de inmediato. Su padre Càstor Pérez, un conocido recuperador de la habanera, falleció con tan solo 54 años por un infarto de corazón, un día antes del 11 de noviembre de 2010, día de su cumpleaños. A él, que la introdujo desde pequeña en la música, descubrió su portentosa voz y la animó a labrarse una carrera, dedica Sílvia este álbum, señalando su fecha de nacimiento como el momento en que decidió que no debía esperar ni un segundo para culminar este proyecto.
Compuesto y arreglado enteramente por la misma Sílvia –incluidos los arreglos de viento y cuerda y los vocales– y coproducido por ella junto con Raül Fernandez Refree, en él toca la guitarra, el piano, el clarinete y el saxo. En este álbum no solo deslumbra más que nunca con su voz sino que se muestra como una imaginativa compositora y arreglista, capaz de difuminar los límites que tradicionalmente enmarcan géneros tan dispares como el jazz, la cançó catalana, el flamenco, el fado o la música brasileña, mezclando incluso las diferentes lenguas que los caracterizan (català, castellano, galego y portugués).
En catalán adapta poemas de Feliu Formosa, Maria Cabrera y Maria-Mercè Marçal. En castellano borda "Iglesias" –con cita al "Moon River" de Henry Mancini–, "Días de paso" y "Memoria de pez". En portugués canta "Não sei" y "O meu amor é Glòria", samba dedicada a su abuela, su madre y su hermana –las tres se llaman Glòria, y las dos últimas cantan en "Folegandros"–. En gallego entona junto a sus tíos "Meu meniño", que se reparte el ecuador del disco con otra nana, "Nonnon", ésta instrumental.
Un disco hermoso, fascinante y necesario. (Publicado en Claves Magazine)
01. Lietzenburgerstrasse 1976 02. Pare Meu 03. Iglesias 04. Não Sei 05. Días De Paso 06. Covava L'ou de la Mort Blanca 07. Meu Meniño 08. Nonnon 09. Memoria De Pez 10. Dilúvio Universal 11. O Meu Amor é Glòria 12. Folegandros 13. 11 de Novembre
Dedicado a la memoria de mi hermano Alfonso (1966-2012) el Gran Capitán Grillo, que se fué un 4 de diciembre cuando su cumpleaños era un 26.
"...Seductor Atlàntic de pell Mediterrània, de mans nobles, plenes de pessigolles, cordes de guitarra ansioses de ballar amb els seus dits sense pressa."
Virgínia Rodrigues se ganó durante años la vida como manicura y empleada del hogar en Salvador de Bahía. En Mares profundos ha grabado los afro-sambas que Baden Powell y Vinicius de Moraes escribieron en los años sesenta.
Para su tercer disco, Mares profundos, Virgínia Rodrigues ha elegido los afro-sambas del guitarrista Baden Powell y el poeta Vinicius de Moraes, que ya los grabaron en enero de 1966. Se trata de una serie de canciones Canto de Ossanha, Canto de Iemanjá, Lamento de Exú... que cuentan historias de orixás, las divinidades del culto sincrético de origen africano, a través de sambas de roda, pontos rituales de candomblé y toques de berimbau. El disco original se grabó, según contaba Baden Powell, en dos pistas estéreo, un día que diluviaba. El agua había entrado en el estudio y ellos cantaban y tocaban instalados sobre cajas de cerveza y whisky que habían vaciado previamente entre todos los músicos. Fuente: El Pais
Virginia Rodrigues, Caetano Veloso (vocals) Luiz Brasil (guitar, 12-string guitar, tenor guitar, berimbau) Jaques Morelembaum (cello) Carlos Malta (soprano saxophone) Alfredo Moura (piano) Jorge Elder (bass) Thamyma Brasil (percussion).
El decimocuarto disco del artista italiano Vinicio Capossela, Rebetiko Gymnastas (2012), es una delicia sonora que tiene al rebetiko como lenguaje musical, nutriéndose del collage sonoro del Mediterráneo. Cansado de escuchar hablar acerca de "la deuda griega", ha querido reivindicar la cultura del país heleno con todo un homenaje a la música nacida en la ardiente ciudad de Salónica en los años 30 del siglo XX.
Vinicio Capossela define su nuevo álbum como un "proyecto portuario" al que ha llegado tras la travesía con Mariani, Profeti e Balene (2011), el disco marítimo que le llevó a surcar las aguas del Mediterráneo. Ahora tras la navegación busca un puerto para fondear y se ha detenido en la música griega recreando algunos clásicos en el lenguaje y sonoridad del rebetiko. Para grabar las nuevas piezas ha llegado hasta un estudio en Atenas y se ha rodeado de un grupo de artistas italo-griegos, entre quienes resalta el legendario intérprete de bouzouki Manolis Pappos, compuesto por Vassilis Massalas (bağlama), Ntinos Chatziiordanou (fisarmónica -acordeón-), Socratis Ganiaris (bendir y percusión), Alessandro "Asso" Stefana (guitarra) y Glauco Zuppiroli (contrabajo). Las letras son algo fundamental en la música de Capossela y en ellas habla de "amores, de borracheras, estrellas, monstruos, mitos, leyendas, animales o muerte". Y siguiendo en esta tónica, explica que el rebetiko es "una música de rebeldes sin revolución, anarquista, individualista y un manifiesto de resistencia cultural".
En la presentación del álbum (con un cuidado libreto con las letras de las canciones en griego, que incluye un viejo mapa donde hay remarcadas ciudades como Atenas, Salonica y Esmirna) nos da algunas claves para profundizar en el trabajo: "grandes músicas han nacido en los puertos: el tango, el fado, la morna, el rebetiko… Son músicas de ausencia y nostalgias, de heridas y cicatrices. Y sólo desde el linaje inicial, han alcanzado una nobleza de forma que les ha hecho durar en el corazón de las personas". Son trece las deliciosas canciones que ha grabado Capossela y donde recrea clásicos latinos como "Los ejes de mi carreta" de Atahualpa Yupanqui y que firma como "Abbandonato" y la "Canción de las simples cosas" (Armando Tejada Gómez y J. César Isella). En un clásico del rebetico, "Misirlou" (popularizada hacia 1927, llevada por Europa del Este y Turquía, y recogida en la B.S.O. de una película de Tarantino), participa el extraordinario cantante griego Kaiti Ntali. Y como invitados destacan Marc Ribot, Ricardo Pereira y Mauro Pagani.
Un disco de nostalgia infinita, para deleitarse, por todo lo que le debemos a Grecia.
01. Abbandonato (Los ejes de mi carreta) 02. Rebetiko μου 03. Gimnastika 04. Misirlou 05. Contrada Chiavicone 06. Con una rosa 07. Non è l´amore che va via 08. Contratto per karelias 09. Corre il soldato 10. Signora luna 11. Morna 12. Le semplici cose (Canción de las simples cosas) 13. Scivola vai via
Virgínia Rodrigues, impresionante cantante de voz contralto, regresa cuatro años después de su último lanzamiento con Recomeço (2009), en el que grandes clásicos de Brasil ganan con una interpretación única y unos arreglos magistrales en el estilo de música de cámara en que se presentan.
Después de ganarse al gran público con Nós (2000) y Mares Profundos (2004), Virgínia resurge con un trabajo para la casa discográfica Biscoito Fino, acompañada únicamente por el piano de Cristóvão Bastos, que realiza unos arreglos musicales impecables. El repertorio, básicamente compuesto por canciones de amor, contiene temas de Chico Buarque, Vinícius de Moraes, Sueli Costa, Antonio Carlos Jobim, José Maria de Abreu y Dolores Duran, entre otras/os, que ganan nueva vida tanto con la originalidad de las interpretaciones de la cantante como con los singulares arreglos, que dotan de un aire de minimalismo a todo el disco.
01. Todo o Sentimento 02. Alma 03. Canção de Amor 04. Eu te amo, amor 05. Beatriz 06. Triste Baía da Guanabara 07. Por toda a minha vida 08. Estrada Branca 09. A noite do meu bem 10. Porto de Araújo 11. Boa noite, amor
Virgínia Rodrigues (Salvador de Bahía, 31/3/1964) es una cantante brasileña. Discografía: Sol Negro, 1997 Nos, 2000 Mares profundos, 2003 Recomeço, 2008
Virginia Rodrigues tuvo un comienzo de los que podríamos llamar difíciles. Nació, en 1964, en un barrio pobre de Salvador de Bahía, en el caluroso nordeste brasileño.
Desde muy joven, Virginia se identificó con lo poco que oyó de canto lírico y sacro, y encontró familiaridad entre su timbre de voz y los cantantes de spirituals. Aprendió a cantar en los coros de las iglesias católicas y protestantes de la ciudad, áunque ella profesa la religión candomblé. Durante su juventud y hasta el comienzo de su carrera profesional, cantó en varios de estos coros.
El director del Teatro Olodum de San Salvador, Márcio Meireles, la escuchó en un coro y la invitó a cantar en el teatro. Bastó un solo ensayo de Virginia en esa sala, que Caetano Veloso presenció, para que él se sintiera cautivado por su voz. Cuando la escuchó por primera vez, ella cantaba en latín. Dijo a propósito de ese momento: "oír ese canto, de una voz celestial que salía del cuerpo rollizo de una negra sólida, me conmovió profundamente". La idea de hacer un disco con Virginia fue de Márcio Meireles, y Caetano le pidió que grabara para su sello, Natasha Records.
Su primer disco se llamó "Sol Negro". En él sobresale una versión muy espontánea del tema "Adeus Batucada" de Sinval Silva; Virginia lo interpreta sin haber conocido la famosa grabación que hizo Carmen Miranda del mismo tema. El disco fue grabado de manera muy modesta, en la sede de Natasha Records.
Allí se improvisó un estudio de grabación, y la voz de la bahiana fue grabada como si ella estuviera en su propia casa, cantando despreocupadamente y sin muchas repeticiones. "El único lujo que nos permitimos fue tener a Djavan, Gilberto Gil y a Milton Nascimento", dijo Caetano. http://www.estaciontierra.com/artistas/artista.php?id=64
1. Blackness Of The Night 2. Moon, Moon, Moon, Moon 3. Goodbye Dance Hall 4. Carnival Dawn 5. Veronica 6. Stormy Night 7. Dry Land 8. Nobility 9. Black Sun 10. Cherubim 11. Israfel
Para profundizar un poco más en la esencia de la cultura negra de Salvador de Bahía – Brasil, Virginia Rodrigues, es una buena guía. Con su segundo CD "Nos", ofrece un paseo por las raíces de un pueblo de orígenes africanos. Por segunda vez consecutiva, Caetano Veloso ha apostado por ella haciendo la dirección musical, acompañándole con su voz en dos temas de este CD "jeito faceito ; ilê e impar /depois que o ilê passar". E imprimiendo su sello personal. Se ha convertido en la "varita mágica " de esta cantante. La voz de esta mujer te transporta a una atmósfera de culto, ejerce de sacerdotisa de Candomblé (religión traída a Brasil por los esclavos africanos), canta a los Orishàs - a los dioses, a las fuerzas sobrenaturales, al carnaval.
Virginia es originaria de un barrio humilde de Bahía, cantaba en los coros de las iglesias católicas y protestantes de la ciudad. Desde su primer CD "Sol Negro" ha creado espectación tanto en su país como fuera de él. Ha conseguido fascinar a grandes figuras de la música aparte de Caetano , David Byrne ... ¿conseguirá atraparte a ti?
Nos " es una propuesta digna de ser oída, intimista, apta para ser escuchada en soledad, en momentos de sofisticada trascendencia.
Virginia Rodrigues, Caetano Veloso, Ile Aiye (vocals); Celso Fonseca (guitar, calimba, tamboura, bells, lyre, bottles, background vocals); Mauro Senise (flute, bass clarinet); Ze Canuto (flute, alto saxophone); Dirceu Leitte (clarinet); Daniel Garcia (tenor saxophone); Henrique Band (baritone saxophone); Vikor Santos (trombone); Philip Doyle (horn); Ramiro Musotto (berimbau, calimba, percussion); Robertinho Silva (percussion); Adriana Maciel, Thiago Braga, Milton Guedes, Gabriela Azevedo, Gui Rodriquez, Bruno Levinson, Patricia Maranhao, Eduardo Prado, Nair Candia, Elisa Quieroz, Bettina Graziani, Evaline Hecker (background vocals).
1. Canto Para Exu 2. Uma Historia de Ifa 3. Salvador Nao Inerte 4. Afrekete 5. Jeito Faceiro 6. Ile E Impar 7. DePois que O Ile Passar 8. Oju Oba 9. Raca Negra 10. Deusa Do Ebano 11. Deus Do Fogo E da Justica 12. Male Debale 13. Mimar Voce 14. Reino de Daome
María Ostiz, Marisa Medina, Pili y Mili o Encarnita Polo. Esos nombres, de indudable eco rancio, no son los que uno espere encontrar asociados al garage y al beat sesentero, pero todas ellas fueron ye-yés, al menos por unos instantes. Elaborado por Vicente Fabuel, erudito de la edad antigua del pop español, '¡Chicas!' presenta un diseño atractivo y un completo libreto con fotos e información escrita por el propio Fabuel, que ha encontrado un filón en el sello barcelonés Belter (una tercera parte del material es de esa discográfica) y descubre historias alucinantes como la de Margarita Sierra, una madrileña que inició una exitosa carrera televisivo-musical en EE UU a principios de los 60, truncada por un infarto a los 26 años. Su incendiario 'Cha cha twist'en spanglish la revela como una Lupe beat en potencia. Pocas fueron las mujeres que tuvieron una trayectoria ye-yé más o menos sólida, tal vez sólo Gelu, que aquí aparece con 'Y... y...', una versión de la francesa Dalida. Dado el amplio periodo que cubre la recopilación -de 1962 a 1974- y la ausencia de una escena robusta, la procedencia y características de las cantantes es bastante variopinta. Hay humoradas como 'Love, Love, Love', con Conchita Velasco, Alfredo Landa y Tony Leblanc haciendo de hippies para la BSO de 'Un día al año ser hippy no hace daño'; también multitud de proyectos fugaces compuestos por misses o modelos (entre ellos, una playmate yugoslava, Tania Velia); temas dirigidos al público infantil/adolescente (Pili Mili o Alicia Granados, que grabó su 'Batiendo palmas' a los 10 años) y, por supuesto, deliciosos bichos raros como Vainica Doble con su psicodélica 'La máquina infernal'... En esta última categoría se podrían encuadrar perlas como la extraordinaria potencia soul de los argentinos Los Tíos Queridos, con un joven Joe Borsani, la sexy 'Mi baby', de Marisel (que no Marisol, que también está), o Los Que Vivimos, que en su 'Contrapunto' se convierten en unos Jefferson Airplane hispanos, con un matador subidón de teclados psicodélicos. Es inevitable que muchas de las canciones sean versiones de éxitos del momento, igual que lo es la presencia de los grandes compositores, arreglistas y productores españoles de la época: Santisteban, Calderón, Algueró, Manuel Alejandro... Todos/as contribuyeron a estos intentos, tímidos y esporádicos, de que hubiera cantantes modernas en España. Apenas se consiguió, pero el relato de ese fracaso es fascinante.
01. Margarita Sierra - Cha Cha Twist 02. Pili Y Mili - Un Chico Moderno 03. Marisa Medina - No Te Acuerdas De Mi 04. Los Stop - Extiende Tus Brazos 05. Ellas - Llovio 06. Los Que Vivimos - Contrapunto 07. Sonia - Aqui En Mi Nube 08. Marisol - Johnny 09. Alicia Granados - Batiendo Palmas 10. Mirla - Dejame En Paz 11. Lorella Con Los Shakers - Sola Estoy 12. Los Hippy-Loyas - Love, Love, Love 13. Vainica Doble - La Maquina Infernal 14. Los Tios Queridos - Por Eso Vuelve, Por Favor 15. Fresia Soto - Desencadena Mi Corazon 16. Marisel - Mi Baby 17. Encarnita Polo - Hava Naguila 18. Marta Baizan - Te Vere En Septiembre 19. Laura Casale - The More I See You 20. Tania Velia - Los Pepinillos 21. Gelu – Y... Y... 22. Las Chic – Cerca De Ti 23. Los 3 Sudamericanos – Yeh Yeh 24. Lia Uya – Mientes
The stunning debut album ‘(Songs From) The Sandbox’ by singer-songwriter is a charming and quirky affair. Made up of 12 songs, the debut release features a charming vocal style, accompanied by pleasant instrumentals that are consistent throughout the album. There’s many stylistic pop elements on the album, combined with element of simple acoustic music (though that isn’t strict on this album). The debut release is akin to artists such as Gregory & The Hawk or even the notable Laura Marling. It is every bit as unique though, with many of Jackson’s creative ideas coming through the songs, and presenting them as her own little creations in music. ‘(Songs From) The Sandbox’ offers what is a fun and quirky experience, which has some relaxing moments thrown in for good measure. Jackson demonstrates a lovely approach to song-writing, with her tracks simply being enjoyable. The album starts off to a fun start, and continues through most of the songs. It is broken up by more solemn tracks, which shows a diversity in the themes Jackson is drawing her writing from. There seems to be a strong focus on the lyrics in the songs, which is what draws the listener towards Jackson’s music. It is also accompanied by great instrumentals that fit the tone and style of the lyrics perfectly. It is simple and honest songwriting and heart, but it seems all the effort Jackson has put into her debut record has payed off and worked. There is a wonderful flow to the album, with each track complimenting each other in tone and style. There’s a wonderful range in the dynamics of the songs, as there is a rise in intensity and greatness in a few tracks, whilst other seems to just float around and bring up relaxing and fun emotions. Tessa Rose Jackson’s debut effort just works in most respects. It should be said, that it isn’t a perfect album by any means, but within its genre, it demonstrates some lovely song-writing that easily draws the listener in. The album could perhaps be seen as being limited by what could be perceived as a rather simplistic style, but Jackson’s music doesn’t really need to be anything more than what it simply is. The simplicity and honesty of the music is perhaps part of the whole appeal of her debut release, and it is music that is just music, without it insisting on being anything more. There’s a lot that can be enjoyed on the album for what it is, and Jackson really doesn’t need to do anything more than just continue to write good honest songs. For her d ebut release, Tessa Rose Jackson has done herself proud with her stunning and gorgeous release ‘(Songs From) The Sandbox’. The gentle, and at times almost humorous style of the album is enough to keep the listener interested. There’s a wonderful craft to the song-writing style Jackson has used for this album, which results in a selection of lovely songs that are simply pleasant to listen too. There’s a wonderful range of different styled songs, combined with a simply lovely and attractive personality that comes through her songs. It would be great to see where this debut release takes Tessa Rose Jackson to in the future.
01 Stepping Stone 02 Lost And Found 03 The Sea And The Storm 04 Again And Again 05 Change Time 06 You Do 07 405 08 (All The) Kings Horses 09 Mr. Carpenter 10 Forgive Me 11 20 Years 12 Where The Light Goes
Le Chant du Monde edita este cd, el cual incluye integro el disco de An Triskell llamado "Harpe Celtique" de 1977, y cinco tracks del disco llamado "Kroaz Hent" de 1976.
Pol Quefféléant (Celtic harp, guitar), Hervé Quefféléant (Celtic harp, Irish flute, vocals), Alain Morizur (Irish flute, mandolin,), Pol Brieg Ruban (violin,), Patrick Lehoux (cello), Jean-Louis Nouvel (spinet), Patrick Audouin (keyboards), Mikaël Cornemuse (bagpipes)
1 Tir na n'Og 2 An Hader (Le semeur) 3 Gavotten Menez-Arre (Gavotte des monts d'arrée) 4 Distro ar mab Prodig (Le retour de l'enfant prodigue) 5 B.A.I. 6 Diaspora 7 War devenn Sant Pabu (Les dunes de Saint-Pabu) 8 Kroaz hent (La croisée des chemins) 9 Now we are Five (A présent, nous sommes cinq) 10 Diviz (Dialogue) 11 March' of the Rain (Marche de la pluie) 12 Tristan hag Isild (Trsitan et Yseult) 13 Inizi Hebrides (Les îles hébrides) 14 Ar hakous 15 An dro 16 Envorenn (Souvenance) 17 Viviana
The Voices Of East Harlem were a community choir that grew from an inner city action project in 1969. A fluid 20-member ensemble whose ages ranged from 12 to 21, their music mixed devotional gospel fervor with commercial R&B and soul, and included lead vocalists Gerri Griffin and Monica Burress. Coming to the attention of Elektra boss Jac Holzman via their producer Jerry Brandt, they were signed in 1970 for their debut “Right On Be Free”, which showcased a diverse song selection from Buffalo Springfield’s “For What It’s Worth, to Richie Haven’s “Run Shaker Life”, all performed in their distinctive high-energy style. A follow-up single “Oxford Town” appeared in 1971, produced by Donny Hathaway who was scheduled to produce a second Elektra album, rumoured to have been called “Brothers & Sisters”; the session logs actually refer to it as “Nation Time” (written by Kenny Gamble & Leon Huff). Both sides of the Elektra 45 plus the other aborted tracks from these sessions appear on this remastered & expanded edition for the first time in 36 years, and are bolstered by the last single “Angry” plus two live tracks recorded at the “Soul To Soul” concert in Ghana in 1971.
1. Right on Be Free 3:48 2. Simple Song of Freedom 4:04 3. Proud Mary 2:49 4. Music in the Air 3:19 5. Oh Yeah 1:34 6. For What It's Worth 3:32 7. Let It Be Me 3:24 8. No No No 4:03 9. Gotta Be a Change 2:39 10.Shaker Life 6:51 11.Oxford Town [*] 3:00 12.Sit Yourself Down [*] 2:14 13.Nation Time [*] 2:52 14.I Wanna Be Free [*] 3:59 15.Hey Brother [*] 2:42 16.Love Is the Answer [*] 2:47 17.Kind Woman [*] 4:54 18.Angry [*] 2:39 19.(We Are) New York Lightning [*] 2:54 20.Run Shaker Life [*] 5:49 21.Soul to Soul [*] 2:23 * Bonus tracks.
The Village, Monoswezi’s debut album, is a collection of rearranged Zimbabwean traditional songs blended with a cool Nordic edge. What the band prize about Zimbabwean music is its inherent openness, a quality that shares much with that fresh airy feel inherent in the Scandinavian jazz sound. Creatively they carve a musical link that not only sounds entirely new, but crosses the oceans, eschews politics and embraces wholeheartedly the values of cross-cultural collaboration. With members hailing from Mozambique, Zimbabwe, Norway and Sweden the boundary-crossing band’s sound is entirely unique. Articulated mbira rings out atop colourful woodwind and the gentle rhythm section. The music is structured via looping cyclical riffs that lock down into solid rhythmic patterns. The band describes their music as ‘strong’, a term that communicates well the steady, circuitous nature of the music. It is an idea that has been a source of interest for other composers, including minimalist maestros Philip Glass and Steve Reich, whose parallel influence can be heard on works such as the cell-like track ‘Metal Drum’. Here the atmosphere conjures up the same spooky, anticipatory feeling as Glass’s Glassworks or Reich’s Music for Pieces of Wood. Hope Masike, who can be heard playing mbira and singing throughout the album, is a remarkable musician, trained in traditional music, jazz, dance, and more. Not only can she interlock tight rhythms while singing with a smooth unforced voice, but she is one of a relatively small number of females who play the mbira. Following in the footsteps of pioneers such as Stella Chiweshe, Hope plays the instrument – which has historically been male-dominated – with pride. Hallvard Godal’s saxophone technique is clean and unadorned, a sound that locks in perfectly with the struck aesthetic of the mbira. Calu contributes gentle rolling vocals which he sings in Ronga, his Mozambican mother tongue. Listening to the quirky cool sounds on this collection, the Monoswezi brand is set to expand even further afield, and who knows where their next experiment could take this back-bendingly flexible band…
